IN-VISIBLE Pablo Griss, Antti Pussinen
Dans le vide spatial, l'énergie prend la forme d'ondes électromagnétiques caractérisées par des champs électriques et magnétiques oscillants. Le son reste silencieux, incapable de se propager sans support, préservant un silence cosmique ininterrompu. À l'inverse, dans notre réalité, le son agit comme un fil vibrant qui tisse la tapisserie de l'existence, résonnant dans les harmonies et les discordances de la vie quotidienne. L'amalgame de ces énergies, associé à des effets de réflexion et autres, ne façonne pas seulement notre environnement et notre réalité, mais influence également les expériences perceptives dans les domaines visuel et auditif.
L'artiste finlandais Antti Pussinen et l'artiste vénézuélien Pablo Griss partagent une fascination pour l'interaction de ces phénomènes physiques et articulent leurs pratiques artistiques autour de cette intrigue. Dans leur exploration, les deux artistes dévoilent le lien profond entre les forces extérieures qui façonnent la réalité et les réverbérations subtiles imprimées dans la tapisserie complexe de l'existence. Ils partagent le désir d'entremêler l'art, la science et la philosophie, stimulant le spectateur avec des chefs-d'œuvre qui rappellent l'interconnectivité cosmique englobant toute l'existence.
L'acceptation de l'interconnectivité cosmique totale a de profondes implications philosophiques, remettant en question les notions traditionnelles d'individualité et de séparation. L'acceptation de la nature interconnectée du cosmos incite à réévaluer les perspectives humaines, en mettant l'accent sur l'interconnexion inhérente non seulement avec l'univers, mais aussi avec les autres.
En revanche, les résultats esthétiques des expressions artistiques d'Antti Pussinen et de Pablo Griss sont nettement divergents. Le point commun entre les deux artistes semble être leur fascination partagée pour les éléments imperceptibles, associée à un élan mutuel pour transmuter ces nuances invisibles dans le spectre visible - ce que résume parfaitement le titre de l'exposition, IN-VISIBLE. La décision d'organiser une exposition dialoguant avec ces deux artistes est également motivée par le contrepoint visuel qui distingue leurs œuvres respectives.
Pablo Griss navigue à l'intersection fertile de l'histoire de l'art, s'inspirant du minimalisme, du cinétisme, du néo-géo et de la géométrie. Il forge son propre langage visuel à travers une série d'interventions visant à se libérer des formes classiques et des conventions visuelles de ces mouvements. Les carrés, triangles et cercles classiques ont disparu, remplacés par des formes rhomboïdales et des lignes acérées, semblables à des scalpels. Ces éléments semblent planer au-dessus de ses compositions, symbolisant les outils qu'il utilise pour intervenir, couper et déconstruire les codes établis de l'art géométrique.
La couleur joue un rôle central, rendue plate et dense, chaque teinte étant méticuleusement choisie. Griss poursuit l'exploration de la couleur initiée par ses prédécesseurs comme Carlos Cruz-Diez, mais abandonne les techniques illusionnistes du clair-obscur et des points de fuite privilégiés par l'Op art.
Pablo Griss opte plutôt pour des formes concrètes et une alternance de couleurs. Sa palette peut être audacieuse et vibrante, faisant écho à la tradition des artistes vénézuéliens. Comme dans sa série "Color Diamagnetic Field", où il combine les aspects formels du champ chromatique et la vibration produite par la combinaison de nuances qui se repoussent, créant un rythme entre couleurs analogues et complémentaires. D'autres fois, sa palette est subtile et bichromatique, rappelant les compositions minimalistes, comme dans sa série "Kinetic Deconstruction", fonctionnant comme une fenêtre méditative invitant le spectateur à la conscience de soi, en ne se laissant pas distraire par les astuces proposées par les artistes de l'art cinétique. Selon Griss, il n'y a pas de raccourcis en art : la maîtrise de la technique vous confère une véritable liberté, tandis que les artifices vous réduisent en esclavage.
Griss’s brushstroke is deliberate and confident, and his compositions are rigorous and clean, and at the same time extremely difficult to paint, executed only by mastering complete control over the canvas, the material, and the hand, a tangible expression of unwavering willpower. The Venezuelan artist perceives flow as a visual approximation to sublime natural processes of vibration and integration through symmetry, sharpened by the reflective characteristics of colours and exalted by the radiation of light and energy emanating from the specific architecture of the particular geometry forming his different series of work.
In “Magnetic Color Continuum”, for example, the paintings evoke fine recollections registered as a continuum exchange of energetic encounters like the breeze or ocean waves.
Contrastant avec la rigueur des constructions et de l'exécution des peintures de l'artiste vénézuélien, l'artiste finlandais Antti Pussinen présente des compositions qui ressemblent à des empreintes visuelles du chaos cosmique.
En tant qu'artiste conceptuel et génératif, Pussinen est captivé à la fois par la technologie et par le profond sentiment d'insignifiance et de vulnérabilité face aux forces naturelles. Dans le domaine de la recherche artistique, les efforts de l'artiste sont orientés vers l'exploration de la manifestation de formes et de surfaces qui habitent un espace intermédiaire, évoquant simultanément des caractéristiques organiques et artificielles. L'utilisation de l'imagerie dérivée des modèles de vagues, dans laquelle les complexités inhérentes à la dynamique des vagues sont exploitées pour susciter des expressions esthétiques, est au cœur de cette recherche.
L'art génératif, tel que le conçoit Pussinen, implique l'utilisation de systèmes technologiques autonomes pour créer des caractéristiques d'œuvres d'art qui seraient traditionnellement déterminées par l'artiste.
L'exposition IN-VISIBLE présentera la dernière production de l'artiste finlandais, basée sur les courbes de Lissajou de sons spécifiques et indéfinis. Dans le domaine des mathématiques et de la physique, les courbes de Lissajous sont remarquables pour leur représentation graphique des phénomènes oscillatoires et ondulatoires, fournissant une exploration nuancée de l'interrelation entre les fréquences et les amplitudes de deux ondes disparates.
En utilisant des voix enregistrées ou des ondes sonores électroniques générées par l'artiste lui-même sur des synthétiseurs, Pussinen les lance à travers un tube cathodique couleur auto-modifié, pour imprimer les photogrammes de ces sons sur du papier et des plaques photographiques PE Fomapan en noir et blanc.
L'imagerie qui en résulte est encore affinée par la modulation optique facilitée par l'inclinaison de l'objectif, qui induit des variations nuancées de la netteté de l'image. Notamment, la "trame" discernable présente dans ces compositions est un artefact visuel résultant de la structure inhérente de la grille de séparation des couleurs du tube cathodique utilisé. Après le processus d'exposition, chaque œuvre subit un développement manuel méticuleux dans des bains chimiques expansifs, ce qui lui confère un spectre tonal nuancé caractérisé par l'interaction de gradients noirs et blancs très marqués.
Ces efforts artistiques constituent des entités singulières et non reproductibles, en raison des subtilités inhérentes au cadre méthodologique. En effet, toute tentative de reproduire une image par une modulation sonore identique produirait invariablement des résultats divergents, soulignant l'unicité immuable intrinsèque à chaque œuvre d'art.
Après avoir exploré exclusivement le spectre des niveaux de gris du papier photographique noir et blanc pendant une longue période, Pussinen a cherché à introduire une autre couche de profondeur et de possibilités associatives dans son travail. Dans un premier temps, il s'est efforcé d'incorporer de la couleur dans ses photogrammes. Cependant, insatisfait des résultats et incapable d'envisager une évolution convaincante de son travail, il décide de rester dans l'ère caractérisée par les tubes cathodiques et la photographie en noir et blanc comme le summum du progrès technologique. Au lieu de cela, il a choisi d'utiliser des couleurs de photo-retouche à base de protéines, historiquement utilisées pour colorer à la main des photographies en noir et blanc après leur développement, afin d'obtenir l'esthétique souhaitée.
Les pièces qui en résultent évoquent l'apparence de portails de l'espace extra-atmosphérique menant à des dimensions alternatives, caractérisées par une esthétique qui converge à l'intersection des réminiscences bauhausiennes et des influences du minimalisme japonais. Cette synthèse souligne l'idée que le son et l'énergie transcendent toutes les contraintes de temps, d'espace ou de culture, résonnant à travers les frontières avec une liberté sans limites.
Une autre énergie qui n'accepte pas les frontières et qui est sans aucun doute universelle est celle de l'amour. Dans son effort pour souligner l'universalité de l'amour, Antti Pussinen souligne que l'amour transcende les frontières, la politique, les religions et les races. Pour témoigner de cette idée, il a préparé un "Mur de l'amour" pour cette exposition, présentant des photogrammes des syllabes du mot "AMOUR" prononcées dans 11 langues européennes. L'objectif ultime de Pussinen est de compiler les phonogrammes de l'amour dans toutes les langues du monde d'ici la fin de l'année. Le premier triptyque représentant les syllabes de "Rakkaus" (amour en finnois) est actuellement exposé à l'Institut finlandais de Berlin dans le cadre d'une exposition organisée par Mika Minetti, qui présente les œuvres des six artistes finlandais de l'année 2024, dont Pussinen lui-même.
Dans l'hypogée de la galerie, Antti Pussinen présentera son installation intitulée "Keystone". Une clé de voûte est la pierre la plus haute d'une arche qui verrouille la structure pour en assurer la durabilité. En outre, une clé de voûte fait référence à un effet lié à la projection de la lumière, qui modifie la forme d'une zone lorsque la lumière frappe la surface, en particulier lorsque la source lumineuse n'est pas positionnée à angle droit par rapport à la surface. L'installation présente une grappe réfléchissante de ballons gonflés à l'hélium suspendus devant la grille de test de l'effet de clé de voûte d'une projection vidéo. Ces ballons perturbent la recherche d'ordre et de prévisibilité de la grille en projetant des reflets convexes sur leurs surfaces. Lorsque les gens se déplacent dans la pièce, les ballons et leurs reflets se déplacent aléatoirement dans l'air. À travers cette œuvre, Pussinen explore la lutte pour contrôler le chaos et l'impossibilité inhérente d'y parvenir. Dans un monde où il est difficile de comprendre les trajectoires et les reflets complexes des effets visibles, tout peut servir à la fois de clé de verrouillage et d'achèvement, ainsi que de pierre juridique.