Lexique artistique

Ce LEXIQUE ARTISTIQUE est une production de ONE ARTY MINUTE. Il a été imaginé pour assurer une meilleure médiation des grands concepts et idées artistiques.

 

Il vous permet de naviguer de définition en définition, de vous familiariser avec les groupes, les mouvements, les courants et les artistes qui font l'Histoire de l'Art depuis l'Impressionnisme jusqu'à cette grande explosion de l'Avant-garde et des abstractions, l'arrivée de Vassily Kandinsky, la première œuvre abstraite de Kasimir malevitch, l'influence mondiale de CoBra, les remises contestataires de la fin des années 60 et les événements les plus récents.

 

Créé pour partager l'Histoire de l'Art plus largement, les définitions de ce lexique ont vocation à s'enrichir au fil des semaines, proposant toujours plus de noms d'artistes, de mouvements, de groupes, de photographies, manifestes et de techniques artistiques...

Cliquez sur une des lettres ci-dessus pour aller à la page des termes commençant par cette lettre.

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Le groupe A.B.C. Productions s’organise en 1969 autour de Tjeerd Alkema, Jean Azémard, Vincent Bioulès, Alain Clément et Patrice Vermeille en réaction à l'immobilisme des institutions en matière de diffusion de l'art vivant. Adjoindre "Productions" à l'acronyme ABC - mis pour Alkema Azémard, Bioulès et Clément - est aussi s'inscrire dans l'action et dans le faire pour atteindre son autonomie culturelle : c’est ainsi que le groupe organise à Montpellier en mai 1970 la manifestation 100 artistes dans la ville. Cette exposition rassemble tout ce que l’avant-garde française compte de peintres et de sculpteurs.

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Créé en 1906, ce groupe imaginé par Georges Duhamel, Georges Vilbrac et Albert Gleizes réunit des écrivains, des peintres et des musiciens sous la haute bienveillance et la filiation de François Rabelais et son abbaye de Thélème : une abbaye sans abbé donc... Le groupe est institué sous la forme d'un phalanstère artistique, le premier du genre, au 37 rue du Moulin à Créteil. Ensemble, littérateurs et peintres, envisagent de travailler seuls, de leurs mains, à l’impression et l’édition.

Face aux difficultés financières, le groupe est dissout en 1908 après deux années d’existence. Alexandre Mercereau, à la suite de cette expérience, crée la Villa Medicis Libre.

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La géométrie avait déjà connu de belles heures avec le Néo-plasticisme, De Stijl, le Suprématisme et le Constructivisme. Elle retrouve le devant de la scène après-guerre : les artistes fuient alors la représentation du réel au profit des formes géométriques, les ronds, carrés, lignes et plans viennent alors peupler la toile. Une expression encore renforcée par la naissance en 1946 du Salon des Réalités Nouvelles. Eclipsée en partie par l’Abstraction Lyrique, la géométrie n’en disparaît pas pour autant, les artistes trouvant à travers l'Art Concret et l'Art Cinétique, de nouvelles voies et possibilités d’exploration.

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L'Abstraction Lyrique naît officiellement en 1947 sous l’impulsion de Georges Mathieu et du critique Jean-José Marchand, connu notamment pour sa série filmée des Archives du XXe siècle. L'Abstraction Lyrique puise ses racines chez Vassily Kandinsky, dans les premiers travaux de Hans Hartung mais aussi chez Joan Miro. Elle donnera ensuite naissance à l’Art Informel, au Tachisme, à l'Action Painting. A la rigueur des formes géométriques, l’Abstraction Lyrique substitue l’émotion du geste sur la toile. Le mouvement, en concurrence avec la nouvelle peinture américaine incarnée par Jackson Pollock, marque les derniers instants d’une suprématie artistique européenne sur le reste du monde.

L'art sera bientôt sous influence américaine.

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Au début des années 30, le Surréalisme, placé sous la figure tutélaire d’André Breton, devient un frein à la libre expression des artistes. Auguste Herbin, Jean Hélion et Georges Vantongerloo s’associent en 1931 pour donner vie au collectif Abstraction-Création. Doublé d’une revue éponyme, le groupement y fait la promotion de l’Abstraction selon deux grands axes d’étude : une simplification des formes de la nature jusqu’à la non-figuration ; l’utilisation des formes géométriques selon une posture totalement géométrique. Héritier direct de Cercle et Carré, le groupement organise ses réunions au Café Voltaire et à la Closerie des Lilas. Les expositions prennent place au rez-de-chaussée du 44 avenue de Wagram.

Le groupement s’éteint en 1936 après avoir compté plus de 100 membres.

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Le groupe Abstrait-surréaliste naît d’une rupture au sein du groupe Surréaliste danois. Rejetant le figuratif surréaliste, Asger Jorn, Ejler Bille, Richard Mortensen et Egill Jacobsen prennent leur distance jusqu’à totalement s’émanciper de leurs pairs. De mars 1941 à novembre 1944, ils publient, dans un Danemark occupé par les Nazis, les douze numéros de leur revue Helhesten (Le cheval d’enfer). Le magazine préfigure ce que sera la revue CoBrA en s’intéressant notamment à l’art populaire et l’ethnologie.

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En marge de l’Académie des Beaux-Arts, elle-même descendante directe des Académies royales, se développent en France des écoles d’art privées, plus libres et progressistes et permettant également d’intégrer des artistes venus de l’étranger.

Ces écoles servent de ferment à des générations entières d’artistes qui trouvent en ces lieux des enseignements et des moyens. L’Académie Suisse, première du genre, voit ensuite naître apparaître l'Académie de la Grande Chaumière, l’Académie Carrière, l’Académie Julian, l’Académie Ranson, ou l’académie de l’Art moderne.

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André Lhote crée l’Académie André Lhote en 1925 au 18 rue d’Odessa à Paris. Un lieu complété l’été par des séjours à Mirmande dans la Drôme, puis à Gordes et enfin La Cadière d’Azur dans le Var. Disparue avec le décès d’André Lhote, l’Académie a compté plus de 1200 élèves, formant des artistes aussi prestigieux qu’éloignés par leur style. Parmi eux, Tamara de Lempicka, Aurélie Nemours ou Hans Hartung.

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Créé par le Suisse Charles Gleyre au 69 rue de Vaugirard, l’Atelier est fréquemment confondu avec l’Académie Suisse, en raison de la nationalité de Gleyre mais aussi parce que son Atelier fut fréquenté par les futurs Impressionnistes : Alfred Sysley, Frédéric Bazille, Claude Monet, Auguste Renoir. En réalité, ce sont plus de 500 élèves qui purent recevoir un enseignement dans cet atelier, hérité du peintre Delaroche, parmi lesquels Jean Léon Gérôme, Jean-Louis Hamon et Henri-Pierre Picou.

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Née avec le début du 20e siècle, l’Académie Camillo, se trouvait cour du Vieux-Colombier. Dirigée par un ancien modèle, Giuseppe di Camillo, Gustave Moreau et Eugène Carrière se plaisent à y donner des cours. Plus de 600 artistes y auraient suivi un enseignement.

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Eugène Carrière enseigne dans différentes écoles avant d’ouvrir sa propre Académie rue de Rennes à Paris en 1890. Inscrit entre tradition et modernité, Eugène Carrière accueillera et formera ceux qui allaient devenir les Fauves.

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Filipo Colarossi rachète l’Académie Suisse-Cabressol, la transforme un court temps en Académie de la Rose, avant de la faire migrer, sous le nom d’Académie Colarossi rue de la Grande Chaumière. L’Académie deviendra alors Académie de la Grande Chaumière avant de prendre son nom actuel : Académie Charpentier.

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L’Académie de la Grande Chaumière descend en droite ligne de l’Académie Suisse puis de l’Académie Colarossi. Ecole d’Art privée, elle dispense à partir de 1904, sous la tutelle de la peintre d’origine suisse Martha Stettler, des cours de peinture et de sculpture. Intégrée à l’effervescence de la vie du quartier Montparnasse « celle des Montparnos », elle demeure un des hauts lieux parisiens de l’Histoire de l’Art et se distingue par sa mixité en accueillant les élèves femmes alors que l’Ecole des Beaux-Arts leur restera fermée jusqu’en 1897 et le prix de Rome interdit jusqu’en 1902.

L’Académie de la Grande Chaumière prend un nouveau nom en 1957 : Académie Charpentier.

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L'Académie de Montbliart voit le jour en Belgique dans une petite maison du Hainaut en 1955. Née du Surréalisme, elle doit son existence et son rayonnement à Pol Bury, Achille Chavée, Marcel Lambot et aux écrivains André Balthazar et Marcel Havrenne.
Mêlant littérature, art et humour, l'Académie de Montbliard annonce l'arrivée de CoBra et les groupes surréalistes belges. Ayant choisi l'escargot pour emblème, les académiciens publient le Daily Bûl à partir de 1957.

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Née des Académies Royales, l’Académie des Beaux-Arts voit le jour sous l’égide de l’Institut de France en 1816. Elle se divise en 8 sections, elles-mêmes divisées en fauteuils. Ses statuts, révisés en 1998, lui permettent défendre le patrimoine français, notamment à travers ses fondations que sont le musée Marmottan, la villa Ephrussi de Rothschild et la Villa les Pinsons ; mais aussi de soutenir la création française à travers des aides, prix et subventions.

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L'Académie du Minotaure et très liée au Groupe Témoignage. Elle voit le jour à Lyon en 1942 en plein conflit mondial gràce à René-Maria Burlet, disciple d'Albert Gleizes et membre du Groupe Témoignage. Aidé par d'autres membres du groupe que sont Etienne-Martin, Jean Bertholle, Claude Idoux et Albert Le Normand, il entend donner une nouvelle approche pédagogique de l'Art, à l'opposé de ce qui se fait dans les cercles lyonnais artistiques de l'époque. Détruit en 1944, l'atelier n'ouvre à nouveau qu'en 1947 : il restera ouvert jusqu'en 1980.

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Imaginée par Rodolphe Julian, l’Académie Julian voit le jour en 1867, Passage des Panoramas à Paris, lieu de la capitale rendu célèbre quelques années plus tard par Louis-Ferdinand Céline qui y vit et y place les scènes principales de Mort à Crédit.

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L'Académie de l'art moderne est créée par Fernand Léger en 1924 au 86 rue Notre-Dames-des-Champs à Paris. Cette école d’Art, digne héritière des plus célèbres écoles d’art privée, devient l'Académie de l'Art Contemporain en 1934. Fernand Léger y enseigne, d’abord avec Emile Othon Friez puis avec Amédée Ozenfant.

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L'Académie Matisse est créée en 1908 et oeuvre à la formation des jeunes artistes jusqu'en 1911. D'abord installée au Couvent des oiseaux au 81 rue de Sèvres, elle migre d'abord à l'Hôtel de Biron avant de trouver finalement refuge à Issy-les-Moulineaux au 42 route de Clamart, où Matisse avait également son atelier. Le projet, né avec l'aide et les conseils de Sarah et Michel Stein et d'Hans Purrmann qui en devint le premier massier. Ouverte à l'international, l'Académie Matisse accueille de nombreux étrangers en provenance pour moitié des pays scandinaves et pour l'autre d'Allemagne, de Hongrie et de Suisse.
Le succès de l'Académie fut instantané, rassemblant plus de 120 artistes, dont un tiers de femmes. Tous se retrouvent au café du Dôme.

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L’Académie Ranson est une oeuvre collective… Initiée par les Nabis Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Paul Sérusier et Edouard Vuillard en 1908 rue Henry-Monnier à Paris, elle permet à Paul Ranson de trouver quelques subsides. Emporté par la typhoïde en 1909, c’est son épouse France Ranson qui portera le flambeau.
Assistée pour les cours de Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Paul Sérusier et Félix Vallotton, elle installera l’Académie Ranson à Montparnasse, rue Jospeh Bara, dès 1911.

En 1932, la direction de l’établissement passe aux mains de Harriet Von Tschudi Cérésole. Y enseignent alors Henri Bissière, et Charles Malfray : tous deux préparèrent l’arrivée d'une nouvelle génération d’artistes : Alfred Manessier, Jean Le Moal, François Stahly ou encore Etienne Martin. La Nouvelle Ecole de Paris est en marche...

Un temps désertée, l’Académie renaîtra un temps de ses cendres en 1951 avant de fermer ses portes définitivement en 1955.

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Créée dès 1815 par Charles Suisse, un modèle de Jacques-Louis David, l’Académie Suisse occupe un atelier à l’angle du quai des Orfèvres et du boulevard du Palais. Contrairement aux autres Académies, on n’y reçoit aucun enseignement. En revanche « le Père Suisse » offre aux artistes démuni, contre une somme dérisoire, de quoi travailler et bénéficier des services d’un modèle. Une offre qui lui permit d’accueillir et de recevoir ceux qui allaient devenir les plus grands noms de l’Impressionnisme. L’Académie Suisse déjà renommée Académie Suisse-Cabressol, est rachetée par le sculpteur Filipo Colarossi qui la transforme en Académie de la Rose avant de lui faire quitter le quartier du Quai des Orfèvres pour la rue de la Grande Chaumière en 1870. Elle devient alors l’Académie Colarossi, puis Académie de la Grande Chaumière.

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Héritière de l’Académie Russe, l’Académie Vassilief ouvre ses portes en 1912 sous l'impulsion de la sculptrice Marie Vassilieff. Très vite, l’Académie Vassilief devient un lieu incontournable : les artistes y trouvent pendant la Première Guerre un refuge et, pour quelques centimes, une cantine…

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L'Accumulation est une technique artistique qui consiste à réunir un ensemble d'objets identiques ou de la même famille pour former une oeuvre d'art. Sur un support plan, les objets ainsi assemblés forment un tableau. Composés en volume, ces objets manufacturés donnent naissance à une sculpture. Expérimentée à partir de 1959 par le sculpteur Arman Fernandez, cette technique a donné lieu au développement d'une succession de gestes : l'Accumulation-inclusion, le Portrait-Robot, l'Empreinte-accumulation, etc. La Poubelle, définie comme un technique à part entière, emprunte une large part du concept à l'Accumulation puisqu'il s'agit d'emprisonner des déchets dans une boîte ou la résine... L'accumulation trouva un grand écho chez Pierre Restany, inaugurant ainsi de nouvelles voies pour l'art contemporain en France.

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L’expression Action painting est employée pour la première fois en 1952 par le critique Harold Rosenberg pour qualifier la peinture abstraite pratiquée par les Expressionnistes abstraits de l’Ecole de New York. Le geste et l’émotion, en dehors de toute reproduction de la nature, deviennent les fondements de l’acte de peindre. L’oeuvre témoigne ainsi de l’énergie et de la psychologie de l’artiste. C’est donc son âme que l’artiste dépose sur la toile… La paternité de l'Action Painting et du dripping, revendiqués par Georges Mathieu, trouve une nouvelle extension quelques années plus tard chez Robert Malaval : il produit ses toiles sur scène et en public à la manière d'un groupe de rock interprétant une composition.

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Le groupe des Actionnistes viennois se distingue dans les années 60-70 par des performances et des mises en scènes subversives où le corps devient la matière première des jeunes autrichiens, en totale rupture avec la génération précédente dans ces années qui suivent la seconde guerre mondiale. Par transgression, on y boit du sang, on s’y montre en fétichiste, etc. Le manifeste du mouvement, intitulé  "Die blutorgel" (Orgue de sang) a été rédigé par Adolf Frohner, Otto Muehl et Hermann Nitsch au café "Gösser Braü" à Vienne. Quant à la performance elle-même, elle prend place dans une cave où les artistes sont enfermés.

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L’appellation "affichiste" n'a qu'un rapport indirect avec la publicité et fait son apparition en art par analogie avec les créateurs d’affiches publicitaires à l'image de Jean Carlu, Paul Colin, Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec ou encore Raymond Savignac.

Au sortir de la guerre, un petit groupe d’artistes français s’attache à décoller et lacérer les affiches publicitaires trouvées dans l’espace public pour les transformer en oeuvres d’art.

Utilisant les objets du quotidien, associés à cette grande lame de fond qu'est l'Art Informel, très proches des Lettristes,ces Affichistes français précèdent de peu le Nouveau Réalisme, soutenu par le critique d'art Pierre Restany, mouvement auquel ils adhérent instantanément à l'image de Jacques Villeglé et Raymond Hains, tous deux signataires du Manifeste du Nouveau Réalisme. Bien qu'assimilé aux affichistes, Arthur Aeschbacher resta à l'écart du Nouveau Réalisme.

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L'agenda des expositions présente un calendrier des expositions artistiques passées et présentes. Ouvert aux professionnels du monde de l'art, aux artistes, aux designers, aux centres d'art et aux musées, l'agenda des expositions s'adresse aux passionnés d'art contemporain qui souhaitent préparer leurs sorties culturelles, mais aussi au grand public. Constitué en banque de mémoire, il conserve également la trace de moments historiques devenus parfois mythiques qui font ou feront la richesse de l'Histoire de l'Art.

Agitatsya et Propaganda c’est-à-dire "Agitation" et "Propagande", rien de moins..

 

Née avec la révolution de 1917, la démarche perdure jusqu’à l’invention du Réalisme Socialiste dans les années 30. L’Agit-Prop a pour vocation d’informer et de former la population russe largement analphabète grâce au réseau ferroviaire. Couvert de représentations graphiques, le train sillonne toute la Russie et prépare, en totale autonomie, les affiches des troupes théâtrales qui vont se produire au prochain arrêt.  Le premier train de ce genre circule entre le 13 et le 31 août 1918 sur l'axe Moscou-Kazan. D'autres suivront...

Ces productions relèvent d'une vraie révolution graphique et typographique et donnent naissance à ce que l'on appelle les affiches ou fenêtres Rosta...

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L'Agrupació Courbet est un groupe d'artistes qui doit son existence à la rencontre en 1918 entre Josep Francesc Ràfols, Josep Llorens i Artigas qui veulent échapper au conservatisme ambiant de la société artistique espagnole et à l'appauvrissement du Noucentisme. Ils en appellent donc à Gustave Courbet qui pour eux, incarne un esprit révolutionnaire. La durée de vie de ce groupe, très éphémère, attire de nombreux peintres d'avant-garde, à l'image de Rafael Benet, Francesc Domingo, Marià Espinal, Lluís Llimona, Joan Miró, Josep Obiols, Enric C.Ricard, Olga Sacharoff, Rafael Sala, Josep de Togores, Joaquim Torres-Garcia. Le groupe disparaît en 1919.

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Cette technique picturale apparaît en 1948 et consiste à remettre en cause les limites de la toile en donnant le sentiment que l’oeuvre se prolonge au-delà. Janet Sobel serait la première à s'adonner à ce principe quand la technique sera popularisée par Jackson Pollock.

Deux techniques peuvent cohabiter : la répétition d’un même motif sur la surface de la toile à la manière de Claude Viallat ; ou encore les dripping de Jackson Pollock.

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Le Allgemeines Künstlerlexikon est un dictionnaire ayant pour vocation de rassembler les artistes du mondes. Le projet a vu le jour en 1991, prenant ainsi la suite du Thieme-Becker et récupérant par la même occasion des notices compilées à partir de 1969. Ambitieux, ses éditeurs ont publié le 83e volume de la collection (Lettre L) en 2014 et revendiquent à ce jour un potentiel de plus d'un million d'entrées. La sortie du dernier volume est annoncé pour 2020.

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Association créée par  Leo Leupi et Richard-Paul Lhose au lendemain de l'exposition "Zeitprobleme in der Schweizer Malerei und Plastik" (13 juin-26 juillet 1936), organisée à la Kunsthaus de Zurich. Cette branche de l'Abstraction Géométrique permet d’accroître considérablement l’impact de l’Art Concret en Suisse mais aussi au-delà de ses frontières à partir de 1937.

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L'Allure d'objet est une technique déployée par Arman durant l'année 1955 à la suite du Cachet et avant l'Empreinte. Le geste consiste alors à enduire un objet de peinture et à l'appliquer sur un support en lui donnant un mouvement sur ce support. Bien qu'absent de l'oeuvre finale, l'objet demeure au coeur de sa réalisation...

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L’association des Artistes Abstraits Américains (AAA) voit le jour en 1936 à New York, à une époque où l'Abstraction peine encore à s'installer sur le nouveau continent. Cette organisation précède de peu la naissance de l’Ecole de New York et de l’Expressionnisme Abstrait.
On retrouve parmi ses membres des noms d’artistes très actifs également en Europe, à l’image de Jean Arp, Fernand Léger, Laszlo Moholy-Nagy ou encore Piet Mondrian.

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Né en 1980 en Italie, le courant Anacronismo (Anachronisme), s’inscrit dans une forme de Postmodernisme. Défendu par le critique d'art Maurizio Calvesi, ce courant invite les artistes à se réapproprier les Maîtres d’un passé récent ou lointain pour trouver un nouvel élan créatif plutôt que de se réfugier dans un art intellectuel où la notion de concept est plus forte que celle de l'expression artistique.

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L’anti-Art n’est pas un courant artistique mais une posture qui traverse tout le 20e siècle. L'expression Ant-Art, attribuée à Marcel Duchamp, réfute toute approche intellectuelle ou économique du monde de l’Art. Les objets du quotidien, transformés en ready made et déclarés "Oeuvres d'art" par Duchamp, constituent une brillante illustration du concept et prophétisent déjà la mort de l'Art. Après Duchamp, c'est au tour de Rodchenko de proposer trois toiles monochromes, présentées comme un point final, avant que de se lancer dans la photographie.

Héritier de Dada, Anti-Art doit beaucoup au Lettrisme de Isidore Isou ainsi qu'à Guy Debord et son Internationale Situationniste. Fluxus en prolongera gaiement la présence dans les années 80.

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Initié aux Etats-Unis à la fin des années 60, le mouvement Anti-Form aborde la problématique de la matière dans son rapport au temps et à l’espace. Envisagé pour la première fois par Robert Morris, chantre du minimalisme et finalement entré en opposition avec ce mouvement, cette idée d’une oeuvre non totalement finalisée n’est pas sans sans rapport avec le Land Art ou l’Arte Povera. L'oeuvre, d'abord caractérisée par sa matière, comme dans les oeuvres en tissu de Robert Morris, peut en conditionner la forme ; elle peut aussi aller jusqu'à l'autodestruction.

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Ce groupe de peintres australiens, ne à Melbourne, réagit au succès retentissant de l’exposition La Nouvelle Peinture Américaine qui parcourt toute l’Europe en 1958 et présente les grandes oeuvres de l’expressionnisme abstrait américain. Détaillée dans le Manifeste des Antipodes compilé par le l'Historien d'Art Bernard Smith, l’approche de Charles Blackman, Arthur Boyd, John Brack, Robert Dickerson, John Perceval et Clifton Pugh milite pour le droit à recourir à la figuration et plus précisément à l’image, comme seul véhicule du langage de l’artiste.

 

Apparu en 1999, le Stuckisme est le descendant des Antipodéens.

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1913 : l’exposition organisée par l’Association des Peintres et Sculpteurs Américains du 17 février au 15 mars 1913 à New-York signe un tournant dans ce que l’on pourrait définir comme le « centre de l’art » : d’Européen l’art s’implante sur le nouveau continent pour entériner la prédominance américaine à la fin du second conflit mondial. Des oeuvres impressionnistes, fauvistes et cubistes y sont présentées mais c’est surtout le travail de Marcel Duchamp avec la présentation de Nu descendant un escalier qui bouleverse l’opinion et défraie la chronique. Largement décriée par la critique, cette exposition a connu un tel succès qu’elle est devenue une des expositions les plus mythiques de l’Histoire de l’Art. Du reste, les chiffres parlent d'eux-mêmes : 4000 personnes invitées à l'inauguration ; pas moins de 1600 oeurvres et 10 000 à 12 000 visiteurs rien que pour le dernier jour de l'exposition.

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L’Art abstrait est une véritable lame de fond qui parcourt l’ensemble du XXe siècle. Opposée à l’Art figuratif, l’abstraction inaugure la volonté de magnifier l’absence de représentation du monde réel. Officiellement né aux alentours de 1910 sous le pinceau de Kandinsky réalisant une aquarelle restée sans titre, l’Art Abstrait n’est pas pour autant une tendance picturale spontanée. Ses prémices apparaissent déjà chez les Fauves, acclamant le retour et le triomphe de la couleur pure. Mais avec l’Art abstrait c’est surtout tous les mouvements du XXe siècle qui vont voir le jour : Rayonnisme, Suprématisme… jusqu’à Supports-Surfaces.

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L’art académique est aussi appelé, par extension, art « pompier ». En vogue au milieu du XIXe siècle, en pleine émergence de l’idée de Nation, l’Art académique se remarque par la prédominance de la peinture d’Histoire : un thème capable d’éveiller et de forger les mythologies nationales. L’expansionnisme européen se nourrit également des rêves du voyage en Orient, nous livrant quelques-unes des plus belles oeuvres du genre. L'anatomie, la géométrie, la perspective, la nature et la peinture d'après modèle vivant constituent les fondements d’un art qui va s’étioler puis disparaître avec l’arrivée des impressionnistes.

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Ce collectif d’artistes est né de l’association de Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin et Harold Hurrel en 1967. A l’origine de l’Art conceptuel, ces artistes s’appuient sur un journal, publié dès 1966, et qui donnera son nom au collectif.

Important par les idées qu’il diffuse, le collectif rassemblera entre 1968 et la fin des années 80, une cinquantaine d’artistes.

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L’expression « Art Brut » a été inventée par Jean Dubuffet au sortir de la guerre pour définir une pratique artistique qui a échappé à toute formation. Depuis les années 20, les médecins et les artistes s’intéressent de près à un art non traditionnel, non codifié et spontané. Les contours et les limites de l’Art Brut sont difficiles à cerner puisque le mouvement comprend aussi bien des artistes autodidactes, représentants de l’art populaire, que l’art singulier des artistes internés en hôpital psychiatrique ou encore celui des artistes dits « médiumniques ». La collection de Jean Dubuffet se trouve aujourd’hui réunie et présentée dans le musée Collection de l’art brut à Lausanne ; l’association L’Aracine a également fait don de ses oeuvres au Musée d’Art Moderne de Villeneuve-d’Ascq.

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L’appellation Art cinétique apparaît en 1954 pour définir des oeuvres caractérisées caractérisées par le mouvement. Ce mouvement peut être provoqué par l’action du vent, celles de la lumière, du spectateur ou d’un moteur.

Il est possible de déceler les premières traces de l’aventure cinétique chez les Futuristes et les Suprématistes. On en retrouve ensuite les prémices dans les mobiles de Calder. C’est cependant dans les années 60 que le mouvement prendra toute son ampleur, bientôt concurrencé par l’Op Art (Optical Art), pour donner vie au Groupe Anonima à Cleveland, au Groupe Dvizhenie à Moscou, au Groupe N à Padou, au Groupe T à Milan, au Groupe Nul en Hollande, au Groupe Zéro à Düsseldorf, au Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) en France. Avec l’Art cinétique, c’est aussi, grâce à la diffusion des multiples, notamment par l’intermédiaire de la galerie Denise René, à une tout autre logique de diffusion de l’art qui s’amorce.

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Né à Rome, l'Art Club est fondé par Joseph Jarema et le futuriste Enrico Prampolini en 1945.

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Dans Art conceptuel, il y a « conceptuel ». Le mouvement, né au milieu des années 60, puise son origine dans les ready made de Marcel Duchamp ainsi que dans le collectif Art and Language. Avec Jospeh Kosuth, on y défend « l’art comme idée en tant qu’idée ». L’Art conceptuel peut alors donner naissance à un objet, une action ou seulement un projet.

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L’idée d’un « Art concret » fait son apparition en Hollande dès 1924 sous la plume de Theo Van Doesburg, fondateur de la revue de Stijl. Avec subtilité, le Manifeste de l’Art Concret rédigé en 1930 s’oppose à l’Art Figuratif et Abstrait pour introduire le refus de tout rapport formel avec la nature ou sa sensualité, au profit de la ligne, de la géométrie et de la couleur. Oubliée avec le décès de Van Doesburg, c’est en Suisse que le concept d’art « Concret » choisit  de refaire surface. Max Bill et le Groupe Concrets Zurichois lui donnent ses lettres de noblesse et assurent sa diffusion, en Europe en France à travers Abstraction-Création et le Salon des Réalités Nouvelles mais aussi en Amérique du Sud où l’Art Concret trouvera de nouvelles voies de développement à  travers le Groupe Arturo, Arte Concreto Invencion, puis le Groupe Madi. Et même aux Etats-Unis, à travers les travaux d'Ad Reinhard, Carl André, Frank Stella et tout le minimalisme...

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L’Art contemporain permet de désigner la période historique qui suit l’Art moderne et démarre à la fin du second conflit mondial, renouvelant ainsi considérablement la manière d’envisager la représentation du monde, à la fois en raison de la prédominance de la photographie  ; mais aussi parce que l'Abstraction fait son apparition. Par extension, l’appellation Art contemporain est étroitement liée aux années 60 et à l’apparition des avant-gardes dont le Pop Art donne le signal de départ. Pour autant, son application tend à  se diluer et à opérer un glissement, reléguant progressivent sous la bannière Art moderne toute la production artistique qui n'entre pas dans la chronologie de ce début de XXIe siècle.

« L’Art comme Art contextuel ». Défini par l’artiste Jan Świdziński dans un Manifeste publié en 1976, l’Art contextuel invite les artistes à déserter les lieux d’art traditionnels pour produire des oeuvres qui n’ont de sens que dans les lieux où elles sont installées et opèrent.

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L’Art corporel naît en 1960, dans le sillage de la libération du corps. Le corps, cette matière immédiatement disponible, devient le coeur d’expérimentations variées, du corps peint à la transgression la plus absolue. Si le corps est déjà central dans l'oeuvre de Jackson Pollock ou dans les Anthopométries d'Yves Klein, son utilisation évolue très vite entre une forme de Land Art, l’exploration de la mutation, celle de la mutilation, de la douleur, de la Colère, ou des pulsions sexuelles.

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Les voies du totalitarisme passent par l’Art. Dès 1937, les nazis entament un travail visant à contrôler l’expression artistique. Un art officiel, affirmant un « homme nouveau » et héroïque se fait jour au détriment des Avants-gardes. Des milliers d’oeuvres sont ainsi saisies.

Le 19 juillet 1937 est inaugurée l'exposition « Art dégénéré » , à Berlin. Elle permet de présenter un ensemble d’oeuvres « dégénérées ». Hans Bellmer, Marc Chagall, Otto Dix, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Jean Metzinger, figurent au catalogue.

Par opposition à l'Art Abstrait, l'Art Figuratif s’attache à préserver un lien avec la représentation ou l’imitation du monde réel, quand bien même ses objets ou ses formes sont imaginées, transfigurées ou déformées par le regard de l’artiste. Au rang de la peinture figurative, on trouve bien évidemment toute la production artistique du Moyen Age, de la Renaissance ou du Baroque. Le Symbolisme, l’expressionnisme, le surréalisme et même le cubisme demeurent également des productions figuratives.

Le hasard n’existe pas. L’Art génératif consiste à confier la production d’oeuvres à des algorithmes informatiques.

Ce mouvement artistique est un pied de nez à la morosité qui règne à la fin du XIXe siècle. Emmené par Jules Levy dès 1882, le mouvement a un seul mot d’ordre : faire rire. Tous les coups sont permis pour parvenir à ses fins… 

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Evoquer l’Art Informel (Informalisme), c’est regrouper toutes les tendances abstraites et gestuelles qui ont vu le jour immédiatement après la seconde guerre mondiale, tant en Europe que sur le contient américain. L’Art Informel comprend donc l’abstraction lyrique, le tachisme, le spatialisme, CoBra, Gutaï.

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L’Art interactif n’est ni un mouvement ni un courant. Il sous-tend seulement une envie d’instaurer un dialogue entre l’artiste et le public par l’intermédiaire d’une oeuvre. Celle-ci se modifie en fonction de son environnement ou, mieux encore, par l’action du public. Déjà amorcée chez Duchamp avec Rotary Glass Plates, cette tendance se retrouve dans les machines de Jean Tinguely.  C’est toutefois avec les artistes cinétiques et naissance du GRAV qu’elle prend tout son sens et sa pleine mesure : les oeuvres de Julio Le Parc nécessitant l’intervention du visiteur et, surtout les sculptures et spectacles de Nicolas Schöffer, réclamant l’intervention d’un public, en sont les plus belles illustrations. 

 

Aujourd’hui, l’introduction de l’informatique ouvre clairement le champ des possibles en matière d’interactivité.

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L’Art minimal est un mouvement d’avant-garde. Il naît dans les années 60 à la faveur, ou plutôt en réaction à l’Expressionnisme abstrait et au Pop art. Situé dans la droite ligne du Bauhaus et du Suprématisme, renouant avec des credo de l’Abstraction géométrique, il en appelle à une économie de moyens et revendique la disparition du geste de l’artiste au profit de formes, de matériaux et de couleurs simples. Dénuée de tout symbole ou de tout discours, l’oeuvre n’existe que par et pour elle-même : minimale…

 

On peut déjà voir dans cette posture les prémices de l’Arte Povera ; mais également l’origine de l’Art conceptuel, où l’idée elle-même prend le pas sur la réalisation de l’oeuvre.

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L'Art moderne couvre une période l’histoire de l’Art qui naît avec l’émergence du travail de Manet et des Impressionnistes pour se clore avec l’avénement du Pop Art. Cette période recouvre donc des tendances, des courants et des mouvements très divers, tels que l’Impressionnisme, le Post-impressionnisme, l’Art Nouveau, le Fauvisme, le Cubisme, le Futurisme, l’Expressionnisme, l’Abstraction, De Stilj.

L’expression est du peintre Hervé Di Rosa lui-même. Au sein de la Figuration libre, elle lui permet de délimiter son approche et son territoire, intégrant le jouet, les vêtements pour enfants, etc. Sur cette approche naît un musée à Sète : le MIAM. Entendez par cet acronyme le Musée International de l’Art Modeste.

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Pratiquer un Art Naïf consiste, sciemment ou non, à rejeter les règles de la perspective ou des des dimensions pour produire un monde coloré proche de l’enfance. Le terme, appliqué pour la première fois au XIXe siècle pour qualifier le travail du Douanier Rousseau, l’Art Naîf est proche, par le sens et l’expression, de l’Art Brut.

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L’Art Nouveau voit le jour simultanément dans plusieurs pays d’Europe aux alentours de 1900 et s’applique tout aussi bien aux arts graphiques qu’à l’architecture. Nommé Modernismo en Espagne, Jugendstil en Allemagne, Sezessionstil en Autriche, Stile Liberty en Italie, Art Nouveau en France et en Belgique, le mouvement se caractérise par l’utilisation de motifs qui empruntent leurs lignes aux courbes du monde végétal. Ainsi Art, Nature et Fonctionnel se trouvent-ils parfaitement intégrés.

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La sphère artistique ne pouvait pas rester imperméable à la digitalisation du monde. Offrant une multitude de pistes à découvrir, qu’il s’agisse de réalité virtuelle, d’interactivité, de réseaux ou encore d’art génératif… Si aucune figure majeure ne se distingue encore aujourd’hui, nul doute que les artistes vont trouver sur cette voie l’occasion de prolonger les pistes initiées par Julio Le Parc ou le père de l’art cybernétique, Nicolas Schöffer.

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L’Art opticocinétique combine deux tendances : L’Art cinétique, où l’oeuvre est mise en mouvement sous l’effet du vent, du soleil ou d’un moteur ; l’art optique ou Op Art qui utilise la seule impression rétinienne comme moteur de l’oeuvre.

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Version anglo-saxonne de l’Art Brut.

Par l’appellation Art pariétal, on entend aujourd’hui représentations préhistoriques sur les parois rocheuses. Vécu un temps comme une enfance de l’art, Art pariétal pose d’énormes questions quant à l’apparition de la pratique artistique chez l’homme. Alors que Lascaux était vécu, du haut de ses 24 000 ans comme les débuts de l’art, la Grotte Chauvet vient bouleverser nos croyances en la matière et enfouir un peu plus loin les débuts de la pratique artistique. - 30 000 ans, tout est déjà là : la fidélité de la représentation, la couleur, le mouvement, etc.

La performance artistique semble puiser ses racines dans les premiers mouvements artistiques d’avant-garde, sans que personne ne sache dire aujourd’hui avec précision si cette pratique est héritée des soirées dadaïstes organisées à Zurich au Cabaret Voltaire ou si elles sont le fruit des soirées lancées par Marinetti. 

 

Signe du temps, elles deviennent l’apanage des artistes soviétiques qui y voient à l’occasion de mêler scène et production d’oeuvres… Ce n’est pourtant pas là qu’il faut chercher l’origine de réelle de la performance. Mais plutôt dans le mouvement Gutaï. Popularisée en France et Europe par l’intermédiaire d’Yves Klein et de Georges Mathieu, la performance connaît un essor tout particulier outre Atlantique : d’abord avec John Cage et Robert Rauschenberg en 1952, puis avec le mouvement international Fluxus. Et s’il ne reste que peu de traces et d’archives de ses performances, au moins continuent-elles de séduire le public.

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Inventé en 1962 par Ray Johnson, le Mail Art est une pratique bien plus ancienne qu’on voudrait le penser. Présent déjà chez Victor Hugo, la pratique se développe d’abord dans un champ non artistique pendant le conflit mondial : elle permet de « raconter » la guerre sans le verbe.  Le Mail devient réellement Art sous le trait et la plume des Dadaïstes, des Surréalistes puis de Fluxus. Il permet même à l’Ecole de Nice d’échapper à son isolement géographique en attirant ses collectionneurs par l’envoi de petites oeuvres d’art.

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L’ouverture de la série des « post » marque bien évidemment un après. Calqué sur le mot postmoderne, le terme postminimalisme voit le jour sous la plume du critique d’art Robert Pincus-Witten au sujet du travail d’Eva Hesse. Artiste minimaliste,

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Ce mouvement a été théorisé par Nicolas Bourriaud, ex directeur du Palais de Tokyo à Paris, en 1998. A l’ère de la domination des réseaux sociaux, il consiste à envisager la sphère des relations humaines comme génératrice de nouvelles pratiques artistiques, qu’il s’agisse d’une collaboration, d’un entretien, d’une manifestation ou, bien entendu, la modélisation de relations sociales.

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Le robot. Imaginé, rêvé depuis plus d’un siècle, le robot offre, grâce à l’électronique, l’informatique et bionique, un terrain d’expérimentation gigantesque.

Déjà défriché sous l’influence de Moholy-Nagy, Soto, Schöffer, Tinguely, cet univers trouve de nouveaux explorateurs un peu partout dans le monde.

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« Rien ne se perd, tout se crée » pourrait être la devise de ce courant qui apparaît avec le développement de l’ère de la consommation de masse. Quelques artistes redécouvrent les matériaux de rebut… Chacun a en tête les poubelles d’Arman ou ses portraits robots. Si Arman demeure le poète de l’objet, l’Art de récupération demeure très lié au Nouveau Réalisme. Jean Tinguely et ses machines, César et ses compressions, ou encore Daniel Spoerri, inventeur du Eat Art.

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Ce courant, très lié au postmodernisme, a été décrit à plusieurs reprises par le critique Arnauld Pierre. Fonctionnant par analogie au steampunk, un genre littéraire où la narration évolue dans 

un présent uchronique alternatif, c’est-à-dire un « futur antérieur », l’archéomodernisme se replonge dans des scènes futuristes du XIXème siècle et se sert d'images icôniques ayant proposé, à l'époque même où elles émergeaient, une certaine idée d’un futur, qui s'est bien sûr révélé ne pas être notre présent.

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L’Art sociologique s’était assigné pour mission de pervertir ou renouveler les rapport entre Art et visiteur. Ce mouvement, initié par Hervé Fischer, Fred Forest et Jean-Paul Thénot à travers un manifeste publié en 1974 dans Le Monde, fut bientôt rejoint par Gina Pane, Michel Journiac, Jean-François Bory, et prévoyait de laisser des espaces créatifs dans le fil d’une exposition à l’expression artistique des visiteurs.

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L’Art sériel ou art de série est fréquemment rapproché du minimalisme. Il consiste en l’utilisation, l’assemblage et la répétition de formes.

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« Prière de toucher ». L’invitation lancée par Marcel Duchamp a rapidement fait des émules. Avec un seul but : amener le visiteur à ne plus demeurer passif dans l’exposition mais à interagir avec l’oeuvre. Cette pratique, déjà amorcée avec le célèbre Déjeuner en fourrure de Méret Oppenheim trouve de nouvelles perspectives avec le travail cinétique et, aujourd’hui, l’apparition du digital dans l’Art.

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Ne cherchez plus, l’Art est partout. Le Manifeste de l’Art Total, rédigé par Ben Vautier en 1965, est déjà théorisé dans la création du Groupe Art Total/Fluxus et mis en application lors du Festival Mondial Fluxus et Art Total, organisé par George Maciunas du 25 juillet au 3 août 1963. ce jour là, à 14 H Ben fait visiter en tant qu'œuvre d'art le musée d'Art total, le marché aux puces de Nice. Il signe tout objet acheté car « Ben sous Duchamp » égale « Duchamp sous Ben ». À cette occasion Ben décréte également musées d'Art total les cimetières, les Casernes, les Églises, les Commissariats…

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L’Art Totalitaire n’est pas un mouvement esthétique mais une tendance qui se met en place dans les années qui suivent l’entre deux guerres et qui tend à affirmer la suprématie d’un nouvel homme. L’Art se fait plus monumental, glorifie les chefs et les actes héroïques jusqu’à contaminer l’univers des affiches, rendant ténue la frontière entre propagande et publicité. C’est ainsi qu’en pleine ère stalinienne, les images publicitaires américaines ressemblent trait pour trait aux images de propagande.

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L’Art vidéo fait une percée dans le monde de l’Art depuis les années 60 et plus précisément en mars 1963 lorsque Nam June Paik présente 13 téléviseurs préparés pour subir une distorsion d’images. Tous les courants seront ensuite tenté par la vidéo jusque dans une utilisation très politique. C’est ainsi que Nil Yalter, née au Caire,avec un feutre noir, écrit autour de son nombril un passage du livre de René Nelly intitulé "Erotique et civilisations" où il dénonce la négation du plaisir des femmes.

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Arte d'Oggi pour Art d'aujourd'hui... Un groupe d'artistes fondé à Florence en 1946 autour de Vinicio Berti, Silvano Bozzolini, Bruno Brunetti, Berto Lardera, Alvaro Monnini, Gualtiero Nativi. Le groupe se rallie au Movimento Arte Concreta (MAC) afin d'assurer la diffusion de l'Abstraction en Italie.

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Enrico Baj, grand pataphysysicien, fonde le mouvement Arte Nucleare à Milan avec Sergio Dangelo et Joe Colombo en 1950. Ce mouvement est considéré comme l’équivalent italien du groupe CoBra

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Ce mouvement s’est développé en Italie, entre 1966 et 1969, dans le sillage de l’esprit contestataire et l’idéologie révolutionnaire des années 60. Rejetant la société de consommation, réfutant une certain théâtralisation de l’artiste et de de son oeuvre, les artistes revendiquent un « art pauvre », c’est-à-dire un art où le processus créatif a plus d’importance que les matériaux utilisés ou l’objet fini lui-même.

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L’artificialisme est une tendance de l’avant-garde tchèque conduite par Jindrich Styrsky et Toyen (Marie Cerminova). L’articialisme est parfois vécu comme une des composantes de ce qui constituera l’abstraction lyrique. Ils furent le cofondateur du groupe surréaliste de Prague et étaient donc en lien très avancé avec André Breton et Philippe Soupault.

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L'Arto est un dictionnaire illustré recensant les artistes plasticiens belges depuis 1830. Un total de plus de 7000 notices. Relié, au format 18 x 25 cm, Arthur Tommelein et Iris Tommelein lancent la première édition du recueil en 1987. Le dictionnaire d'artistes est revu et complété en 1995.

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La tentation de rapprocher Arts et Sciences est vive depuis le 15e siècle. Sûrement l’influence de Léonardo da Vinci y est-elle pour quelque chose. Le développement des sciences, l’avénement de l’informatique et des algorithmes, la naissance des nanotechnologies ravivent des recherches qui avaient déjà retrouvé des couleurs et du sens grâce notamment aux travaux de Nicolas Schöffer dans les années 60. Les biotechnologies donnent aujourd’hui naissance au Bio Art.

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Créé en 1927 à Paris par Stanley William Heyter, l’atelier 17 offre aux avant-gardes un espace où s’initie et se familiarise avec la technique de la gravure colorée. André Masson, Joan Miró, et Picasso se passionnent pour la technique mise au point par Heyter.
Fuyant l’invasion allemande, il poursuit son travail outre atlantique, toujours sous le même nom et initie Jackson Pollock à sa technique.

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Atelier A pour Arnal... L'atelier occupe une place particulière dans l'Histoire de l'Art et demeure actif entre 1969 et 1975 dans un loft de la rue Amelot à Paris. Créé par François Arnal, l'Atelier n'est ni un courant ni totalement un groupe ou un collectif d'artistes. Il tente seulement de réaliser une synthèse entre l'Art et l'objet de la viel courante. Dans le Manifeste de l'Atelier A, Pierre Restany définit ainsi la raison d'être de l'Atelier A : « Ami, l’Atelier A est une entreprise collective basée sur un acte de foi : la nécessaire insertion de l’artiste dans la vie. Peintres, sculpteurs, jeunes architectes ne sont pas équipés pour produire aujourd’hui les formes utiles et belles qui transforment le décor quotidien de notre vie. Leur pouvoir créateur est donc condamné à s’exercer dans la solitude de l’atelier et dans l’abstraction d’une recherche poétique isolée. L’Atelier A veut précisément donner une chance à ces créateurs, leur fournir l’occasion de produire des prototypes de formes, de participer à des programmes d’esthétique industrielle ou de décoration, d’élaborer des spectacles ou des environnements audiovisuels. »
Au total, près d'une cinquantaine d'artistes participent au projet.

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Créé par Fernand Cormon en 1883 au 104 Boulevard de Clichy à Paris, l’Atelier Cormon voit passer des artistes en devenir aussi prestigieux que Paul Gauguin, Henri de Toulouse Lautrec ou Adolfe Willette. Comme l’Académie de la Grande Chaumière, l’Atelier Cormont change de nom à plusieurs reprises, jusqu’à déménager au 18 rue de Val-de-Grâce. D’abord Académie Humbert, puis Académie de La Palette, l’école privée de peinture disparaît en 1914 cadémie de la Palette change de nom à plusieurs reprises. Créée par Fernand Cormon en 1883 au 104 boulevard de Clichy à Paris, le lieu dédié aux artistes finit par prendre le nom de son acquéreur pour devenir l’Atelier Cormon avant de devenir l’Académie Humbert dans les toutes premières années du 20e siècle. group

Le 61 de la rue de la Monnaie à Lille. C'est là que naît, en 1956, l'Atelier de la Monnaie autour de Roger Frézin, Pierre Olivier, Claude Vallois, Jean-Pierre Dutour, Jean Brisy, Jean Parsy et Lyse Oudoire. Cette réunion de jeunes artistes souhaitant échapper au conformisme de l'enseignement artistique, permet d'introduire l'art contemporain à Lille et dans ses environs.

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Une confusion règne sur ce nom qui incarne deux réalités bien distinctes. La première place au n°7, aux deux derniers étages de l'Hôtel de Savoie, le célèbre atelier où Picasso peignit Guernica et qui prend aujourd'hui le nom des Ateliers des Grands Augustins.
Cet espace, n'a cependant rien à voir avec le 47 rue des Grands Augustins où Sheila Hicks, arrivée à Paris en 1966 après avoir voyagé à la découverte des métiers du tissage, crée l'Atelier des Grands Augustins. Elle répondait ainsi aux besoins de sa création textile et à ses commandes à l'international.

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1968. La colère gronde à Paris ! Le bâtiment des Beaux Arts de Paris, situé au 13 Quai Malaquais, est alors voué à la formation des jeunes architectes. Le 14 mai 1968, il est pris d'assaut par les jeunes artistes avec un objectif : y trouver une presse lithographique et diffuser des affiches pour couvrir les murs de Paris de slogans révolutionnaires. Gérard Fromanger y tire la première affiche, "Usines, Universités, Union", diffusée à seulement 300 exemplaires. L'arrivée de Guy de Rougemont, tout juste rentré de la Factory d'Andy Warhol où il a appris la technique de la sérigraphie par pochoir, donne un autre tour au mouvement dès le 17 mai : la sérigraphie, marquée du slogan "l'Art au service du peuple" était née et il était désormais possible de faire des tirages à 3000 exemplaires. D'autres viendront gonfler les rangs des artistes contestataires à l'image de Julio Le Parc, membre du Groupe de Recherche Art Visuel (GRAV) puis du Font des Artistes Plasticiens et expulsé par l'Etat Français pour son implication politique. D'autres artistes sèmeront des Ateliers Populaires un peu partout, aux Arts Décoratifs avec Louis Cane, ou en province. Le 27 juin 1968, les CRS interviennent et mettent fin à une aventure qui aura permis la naissance de quelque 800 affiches et journaux muraux qui nous laissent quelques-uns des plus beaux slogans : "A bas les cadences infernales", "La police vous parle tous les soirs à 20h", "La police s'affiche aux Beaux Arts, les Beaux Arts s'affichent à Paris", "La chienlit c'est lui", etc.

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L'Aubette est un café-restaurant et dancing autrefois situé au 31 place Kléber à Strasbourg. Theo van Doesburg assure l'aménagement intérieur d'un lieu qui n'imbrique pas moins qu'un bar américain, un dancing, un restaurant, une salle de billard, un cinéma, une salle des fêtes et un foyer-bar. Une commande qui permet à The van Doesburg, entre 1926 et 1928, de mettre en application sa théorie de l'Elémentarisme dans un espace public avec l'aide de Hans Arp, Werner Graeff et Sophie Taeuber-Arp.

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Une référence claire à l’écriture automatique des surréalistes née peu après les années 40 au Québec et figé par un manifeste intitulé Refus global, proche du mouvement libertaire. La production d’oeuvres demeure proche de l’expressionnisme abstrait malgré l’absence de lien avec les artistes américains du mouvement.

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L’Avant Garde se veut l’expression d’une rupture avec l’Académisme ou la norme au profit de la nouveauté et de l’expérimentation radicale. On commence à parler d’Avant Garde avec le mouvement futuriste, l’expressionnisme et l’Avant Garde russe. Certains considèrent aujourd’hui, après Marcel Duchamp et Piero Manzoni, que les avant-gardes n’existent plus.

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Cf. Futuroslaves.

B

Le Bad Painting, né en 1978 par opposition à l’art de galerie, trop soigné et trop intellectuel des courants de l’Art minimal et conceptuel, emprunte aux courants marginaux américains ses codes graphiques.

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Le Bal Bullier est l’endroit où l’on danse à Paris. Situé au 31 avenue de l’Observatoire à Paris, à l’emplacement de l’actuel Centre Sportif Universitaire Jean Sarrailh, le Bal Bullier doit son nom à son fondateur François Bullier qui rachète un lieu à l’abandon : le Bal de la Chartreuse. Il y plante 1000 pieds de Lilas avant de lui donner le nom de Closerie des Lilas. C’est en ces lieux que le tout Paris vient. On y danse, on s’y déguise et on s’y amuse, à l’image de Guillaume Apollinaire ou du couple Delaunay. L’union des artistes russes y organise fréquemment des soirées. Le Bal de la Horde, organisé par les artistes sculpteurs et peintres de Montparnasse, ponctue chaque année de ses fastes et dérives. Le Bal Bullier ferme définitivement en 1940. group perm_media

Le mouvement baroque est originaire d’Italie et couvre une période qui couvre deux siècles, du 16e au 18e siècle et qui va irriguer tous les champs de la création, de la peinture à la sculpture en passant par la musique et la littérature. Le terme, emprunté au portugais borroco, perle irrégulière. Les thématiques traitées s’inspirent souvent de la mythologie antique. En peinture, on y privilégie  l’utilisation de couleurs chaudes et vives, contrebalancées avec le clair-obscur.

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Les ateliers du Bateau-lavoir sont situés dans le 18e arrondissement de Paris, au 13 de la place Emile Goudeau, autrefois nommée place Ravignan. Depuis ses coursives, le lieu ouvre sur 25 ateliers d’artistes qui ne désemplissent pas dès la fin du XIXe siècle. Maxime Maufra est le premier à s’y installer, bientôt suivi par des artistes de toute origine, jusqu’à prendre le surnom de Villa Médicis de la peinture Moderne. C’est d’ailleurs en ces murs que Pablo Picasso présente pour la première fois les Demoiselles d’Avignon en 1907. group

Le Bauhaus est un moment mythique de la création artistique en Europe. Il naît de la transformation de l’Institut des arts décoratifs et industriels de Weimar en Staatliches Bauhaus sous l’égide de Walter Gropius, bientôt remplacé par Hannes Meyer et Ludwig Mies van der Rohe.

Actif entre 1919 et 1933, fermé en 1933 par les nazis, le Bauhaus jette les bases de l’art contemporain en cherchant l’union de tous les arts. Fuyant le nazisme, László Moholy-Nagy crée le New Bauhaus à Chicago en 1938. Le principe du Bauhaus essaimera jusqu’en Union soviétique avec l’apparition des Vkhoutemas ou Vhutemas. Vassily Kandinsky et El Lissitzky (Lazar Lissitzky) y sont professeurs.

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Le nom complet de cet ouvrage est le Dictionnaire général des artistes de l'École Française depuis l'origine des arts du dessin jusqu'à nos jours. Communément appelé le Bellier et Auvray, cet index est publié pour la première fois en 1882. Initié par Emile Bellier de La Chavignerie, le projet est repris par Louis Auvray après la mort de Bellier en 1871 alors que le dictionnaire n'en est encore qu'à la lettre D.

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La découverte et le développement des biotechnologies ont donné naissance à la naissance du Bio Art. Branche de Art et Sciences, les perspectives de recherche offertes par ses nouvelles disciplines peuvent prendre plusieurs orientations : la culture de tissus vivants même quand il s’agit de la propre peau de l’artiste, les manipulations génétiques ou encore la biomécanique.

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Le Bistrot du Père Jean est un café qui se trouvait rue de Seine. C'est là que Edmond-Marie Poullain prend ses habitudes et y rencontre ses amis : André Salmon, Picasso ou encore Guillaume Apollinaire et Max Jacob.

Ce mouvement d’inspiration expressionniste tire son nom d’une oeuvre de Vassily Kandinsky Le Cavalier bleu, datée de 1903. Formé en 1911 à Munich, ce groupe surgit quelques années après un autre groupe expressionniste allemand Die Brücke (Le Pont).

Le Blaue Reiter s’organise autour de la figure de Vassily Kandinsky, August Macke, Franz Marc et Heinrich Campendonck. Tous accélèrent le processus de passage à l’abstraction pour seule réalité. La première guerre mondiale vient mettre un point final aux activités du groupe.

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BMPT : Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier et Niele Toroni… 4 noms pour un acronyme. 4 noms pour exprimer une différence dans l’effervescence artistique des années 60. Créé le 24 décembre 1966, le mouvement, à l’instar de Supports Surfaces, entend rejeter toute émotion dans l’Art pour pratiquer une peinture dite « programmatique », laissant le visiteur seul devant la toile : Daniel Buren peint des bandes de couleurs de ; Olivier Mosser peint un cercle noir sur une toile blanche d’un diamètre intérieur de 4,5 cm pour un diamètre extérieur de 7,8 cm ; Michel Parmentier, après un pliage horizontal de la toile, délivre des bandes alternées de gris et de blanc ; Niele Toroni applique à l’aide d’un pinceau n°50 des traces de peintures tous les 30 cm.

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Cf. Art corporel.

BP… Deux lettres pour un détournement d’identité. Derrière l’acronyme BP, mis pour British Petroleum, se cachent Renaud Layrac, Frédéric Pohl et Richard Bellon trois artistes qui se sont rencontrés à la Villa Arson à Nice. Richard Bellon quitte le groupe en 1991. Leur principe derrière l’anonymat de BP : utiliser les matériaux de l’industrie pétrolière avec critique et ironie, faire couler de l’huile de vidange usagée pour la transformer en miroir qui capte reflète son environnement, etc.

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La Bible des historiens de l’Art et des marchands ! Le Bénézit est un dictionnaire indexant les noms des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs. Créé en 1911 à Paris par Emmanuel Bénézit, il compte aujourd’hui quelque 175 000 références. Le peintre Jacques Busse, après le peintre et architecte Edmond-Henri Zeiger-Vallet, en a assuré la direction artistique, notamment pour la dernière édition en 14 volumes en 1999.

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C

Mis pour Centre d'arts plastiques d'aquitaine, ce groupe sévit à partir de juillet 1967. C.A.P.A fait partie de ces groupes et écoles qui naissent en région à cette époque là et se manifeste par la réalisation de fresques collectives et des installations dans l'espace public. Il regroupe Jacques Adrien Pineau, Christian Delafond, Pierre Lesbordes, Guy Walter, Catherine Pineau, Daniel Busto.

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La Première Guerre mondiale fait rage. Depuis deux ans, Zurich est le refuge des révoltés et marginaux qui se refusent à l’horreur de la guerre.

 

Située au 1 Spiegelgasse, une salle désaffectée est repérée par Hugo Ball. Le Cabaret Voltaire vient de naître. Cette petite salle, décorée d’oeuvres de Vassily Kandinsky, Paul Klee, Jawlensky, Fernand Léger, Henri Matisse, Modigliani, Pablo Picasso va devenir le lieu d’émergence de Dada et de ses débordements. Inauguré le 5 février 1916, on y réalise la synthèse des Arts entre poésie et productions plastiques : Marcel Janco élabore des masques et Hugo Ball y récite des poèmes à la manière du Futurisme... On y invente le mot DADA... Le lieu sera ouvert 6 mois avant de fermer sur décision des autorités. Action et réaction : une galerie Dada s'ouvre dans la rue principale de Zurich, la Bahnhofstrasse.

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Arman met au point en 1954 la technique du Cachet. La technique de l'Estampe est ainsi revisitée par l'artiste contemporain : il utilise des tampons et des caractères d'imprimeries pour frapper l'objet en une gestuelle créative sur un support qui conserve la mémoire de l'action de l'artiste.

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Le Café de Flore jouit d'une réputation internationale. Situé à l'angle de la rue Saint-Germain et de la rue Saint-Benoît, il accueille depuis 1885 tout ce que Paris compte de peintres et d'écrivains qui l'utilisent comme une seconde maison... Apollinaire y tient des réunions avec toute l'Avant-garde littéraire, le Surréalisme y invente son nom et Simone de Beauvoir y écrit quelques-unes de ses plus belles pages sur l'absence de Jean-Paul Sartre, fraichement mobilisé au début de la Drôle de Guerre... On y croise également André Derain, les frères Giacometti, Dora Maar, Pablo Picasso, Denis René et les membres de la revue clandestine La Main à plume.

Café artistique autrefois situé au 11 rue de Clichy à Paris. C’est là que le Groupe des Batignolles se retrouve autour des personnalités que ce sont Zacharie Astruc, Frédéric Bazille, Edgard Degas, Henri Fantin-Latour, Edmond Maître, Edouard Manet, Claude Monet, Nadar (Félix Tournachon), Camille Pissarro, Auguste Renoir, Otto Scholderer, Alfred Sysley. group

Situé Place Garibaldi à Nice, le Café de Turin est lieu où George Brecht, Robert Filiou et Erik Dietman aiment à s’attarder pour échanger.

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Etablissement situé 18/19 Kurfürstendamm Berlin est un établissement célèbre pour ses réunions artistiques Dada, à l’image du Café Josty situé Postdamer Platz à Berlin également, et du Cabaret Voltaire à Zürich.

Un café très fréquenté par les Actionnistes viennois et où Adolf Frohner, Otto Muehl et Hermann Nitsch rédigent leur Manifeste.

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Etablissement situé sur la Postdamer Platz à Berlin fut connu pour ses réunions Dada, notamment fréquenté par Raoul Haussmann.

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Aujourd'hui propriété des Editions Flammarion, le 1 place de l'Odéon fut l'adresse du Café Voltaire. C'est là que plusieurs générations d'artistes et d'intellectuels se sont retrouvés. On y croise Eugène Delacroix, Paul Gauguin ; Y siègent également pour leurs réunions du groupe Abstraction-Création, Auguste Herbin, Jean Hélion et Georges Vantongerloo.

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Constitué en 1911, ce groupe d’artistes anglais postimpressionnistes est fédéré autour du peintre Walter Richard Sickert dont l’atelier se trouvait à Camden Town. Limité délibérément à 16 membres, le groupe se rapproche par la suite du Vorticisme.

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Un catalogue raisonné rassemble toute la production d’un artiste. Les oeuvres y sont classées, selon les artistes, par date ou bien par support ou mode d’expression. L’arrivée du digital renouvelle le genre, permettant au catalogue raisonné numérique de réunir en un seul point toute la mémoire d’un artiste : oeuvres, archives photographiques, papiers, films, sons, etc.

Café célèbre de la place Saint-Michel à Paris fréquenté par le Paris artistique. C’est là notamment que Edmond-Marie Poullain y rencontre Apollinaire.

Créé entre le groupe Motus et le G.R.A.V, le Centre de Recherche d'Art Visuel regroupe les mêmes protagonistes que le G.R.A.V et reprend les idées d'un art cinétique collectif et tourné vers les spectateurs. Et François Morellet de dire au sujet du Centre de Recherche d'Art Visuel : "Nous nous sommes vite aperçus que nous n'étions le centre de rien..." avant de donner naissance, dans la foulée au G.R.A.V, Groupe de Recherche d'Art Visuel.

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Le nom « Cercle et carré » est à lui seul tout un programme ! Fondé par Michel Seuphor et Joaquín Torres García le groupe ambitionne de réunir sous une même bannière tous les artistes d’inspiration constructiviste. En moins d’un an, une trentaine d’artistes adhère déjà au groupe qui dès l’année suivante, en raison des soucis de santé de Michel Seuphor, fusionne avec le groupe Art Concret pour donner naissance au groupe Abstraction-Création.

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Cf. Art cinétique.

Située au 171 boulevard du Montparnasse à Paris, La Closerie des Lilas est un des hauts lieux du rassemblement des artistes depuis plus d’un siècle et demi. Il doit son nom à Charles Bullier et aux lilas qu’il planta en 1847 pour y abriter le Bal Bullier. Dès 1880, on y rencontre tous les artistes et intellectuels de cette fin de 19e siècle, notamment le peintre Paul Cézanne. Quelques années plus tard, c’est un défilé permanent d’écrivains au milieu duquel se glissent les peintres et les sculpteurs venus de la Coupole, du Dôme, de la Rotonde ou du Select. group

Né de l'impulsion donnée par Guillaume Apollinaire, Henri-Martin Barzun, Louis de Royaumont et Sébastien Voirol, le Club artistique de Passy voir le jour le 6 juillet 1912. Il défend l'Art de son époque en s'intéressant au Cubisme ou encore simultanéisme, équivalent littéraire du Futurisme. Les réunions du Club artistique de Passy se tiennent dans les locaux de l'agence d'Auguste Perret, rue Franklin à Paris.
Epuisé par la guerre le Club artistique de Passy donnera vie au Groupe Art et Liberté en 1916.

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Fondé à Paris en 1938 par Michel Tapié, Jacques Bureau, Pierre Minne, Henri Bernard et Jean Marembert, le Club des Réverbères se revendique d’inspiration Dada tout en étant surréaliste.

Le Club des Réverbères se transforma en La Main à Plume avec le début de la guerre et prit une part active au mouvement de résistance.

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Petit village des Alpes Maritimes dans lequel s'est tenu ue exposition d'art contemporain mythique en juillet 1969. Avec l'aide de Jacques Lepage et dans le sillage de l'exposition 100 artistes dans la ville à Montpellier, les artistes y produisent une exposition en plein air. Cette exposition est considérée  comme la première manifestation du groupe Supports Surfaces.

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CoBrA est un acronyme géographique mis pour Copenhague, Bruxelles et Amsterdam. Né en 1948, le mouvement prend ses racines dans un Surréalisme que son inventeur, le poète Christian Dotremont veut « révolutionnaire », alors que naît déjà l’Abstraction lyrique. Un maître mot chez ses fondateurs : célébrer l’alliance du poète et du peintre ! Dégagé de toute convention occidentale dont la guerre vient d’exprimer la faillite, l’artiste revendique le geste primitif et animal, une régression consciente qui mène au subconscient. Dissout en 1951, CoBrA perdure bien au-delà de sa mort officielle pour unir des artistes à travers toute l’Europe. « CoBrA, c’est le mélange non dosé de l’origine première par des origines immanentes pour une origine future », Christian Dotremont.

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Le collage est une technique artistique fréquemment utilisée à travers tout les XXe et XXIe siècle. Le collage peut emprunter plusieurs formes. Il l peut s'agir de découpages de formes qui peuvent être peintes à la main ou non puis assemblées et collées pour créer un espace narratif ou abstrait. Il peut s'agir de Cut-up, à la manière de William Burroughs découpant un visuel pour le recomposer dans un ordre différent ou d'une Coupe, telle que pratiquée par Arman sur des photographies. Le terme peut également embrasser le Combine painting où des objets sont assemblés à une oeuvre peinte. On retrouve également le terme Collage appliqué aux oeuvres totalement peintes à la main de Magritte.

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Tout au long de l’histoire de l’art, l’activité de Collectionneur se mêle et se fond avec celle du mécénat. Les premiers collectionneurs d’art sont apparus au XVe siècle à Bruges et Florence, dans le milieu de la grande bourgeoisie commerçante. Si l’on sait que François 1er, Charles Quint, Mazarin figurent parmi les premiers collectionneurs d’art, il faut attendre véritablement la fin du 19e siècle pour voir se généraliser un phénomène qui prend principalement son essor avec la Révolution industrielle : en Angleterre, aux Etats Unis, en Russie se développe une population avertie qui aime à collectionner ou à montrer ses trésors. Si les marchands d’art sont souvent Collectionneurs eux-mêmes, à l’image de Paul Durand-Ruel ou de Pierre Nahon, ils orientent et conseillent les acquisitions de personnalités parfois rendues célèbres pour leur collection : Bernard Arnault, Gustave Caillebotte, Jacques Doucet, David Greffen, Peggy Guggenheim, Pierre Lévy, Aimé Maeght, David Nahmad, François Pinault, Séverin Wunderman.

Nombreux sont également les collectionneurs à effectuer des donations d’oeuvres pour alimenter les collections permanentes des musées. Ces collectionneurs créent parfois également leur propre musée.

Certains artistes revendiquent également un statut de collectionneurs, à l’image de Gustave Caillebotte, Pierre Lévy, Sol Lewitt, Olivier Mosset, Jean-Pierre Raynaud, Bernard Venet, etc.

Courant de l’expressionnisme abstrait, le Colorfield painting veut se distinguer de l’Action painting en proposant de grands aplats de couleurs vives qui peuvent se nuancent par des effets de matière ou de demi-tons, à l’image des oeuvres produites par Marc Rothko. C’est, sous l’influence notamment de Larry Poons, et avec des artistes du Colorfield painting que naît la Lyrical Abstraction, version américaine et bien distincte de l’Abstraction lyrique européenne.
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Inventée par le sculpteur Arman, la Colère consiste à briser un objet dans un geste de destruction maîtrisé. La première Colère d'Arman voir le jour à l'occasion du premier Festival du Nouveau Réalisme à Nice le 13 juillet 1961, à l'abbaye de Roseland. Par la suite, Arman reproduira ce type d'événements publics, que ce soit devant les caméras de la NBC lors d'une performance collective avec Jean Tinguely et Niki de Saint-Phalle ou en 1975 pour un happening intitulé Conscious Vandalism à la John Gibson Gallery à New York. Pour l'occasion, Arman détruit meubles et téléviseur d'un appartement.

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Arman maltraite l'objet ! Au beau milieu des années 60, il invente la technique de la Combustion. Elle consiste à brûler un objet et à arrêter sa destruction avant qu'il ne s'effondre. Ces objets brûlés prennent l'apparence de meubles de style, de violons également, et sont emprisonnés dans la résine pour former des sculptures contemporaines. Cette technique est ensuite déclinée à travers la série The Day After où des objets brûlés ou détruits à la suite d'une catastrophe nucléaire, sont reproduits en bronze.

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Le groupe des Concrets zurichois naît de la dissolution à Paris en 1936 du groupe Abstraction-Création.

 

Max Bill poursuit les travaux de Theo van Doesburg en Suisse avec Camille Graeser, Verena Loewensberg, Richard-Paul Lohse. Groupe qui prendra encore plus d’ampleur en Suisse avec la création de l’association des artistes helvétiques Allianz, fondée en 1937 par Richard-Paul Lhose.

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Le Constructionnisme naît en Angleterre et plus précisément à Londres, en 1951. L’abstraction prend forme en une relecture du Constructivisme et en suivant les influences de Ben Nicholson, un des membres actifs d’Abstraction-Création, ainsi que de Victor Pasmore.

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Le Constructivisme est un des courants les plus importants du 20e siècle avec le Suprématisme dont il est contemporain et auquel il finit par s’opposer. « Constructivisme » est d’ailleurs une blague de Kasimir Malevich, leader du Suprématisme, pour qualifier le travail d’Alexandre Rodtchenko, chantre du Constructivisme.

 

Proche des futuristes italiens, le mouvement russe en appelle à la création rationnelle, utilitaire et rationnelle. Bref, industrielle !

 

Son manifeste a été écrit en 1920 par les frères Anton Pevsner et Naum Gabo. 

 

Le suicide de Mayakovsky et l’imposition du Réalisme socialiste auront raison du mouvement mais il continuera à rayonner et à exercer une influence considérable en Europe, notamment sur le mouvement De Stilj et le Bauhaus.

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Nous sommes en 1914. Tatline réalise pour la première fois des « contre-reliefs ». Un principe simple : la masse et le volume disparaissent pour laisser place aux arêtes, aux lignes, aux courbes et à leurs intersections. Désormais, la sculpture ne se moule plus en plâtre, ne se coule pas en bronze… elle naît de l’assemblage de pièces, de la soudure, de l’agilité à imbriquer des éléments les uns dans les autres.

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Groupe d’artistes affilié à La Figuration Narrative. La Coopérative des Malassis doit son nom à un quartier de Bagnolet où les artistes ont leur atelier. Elle se compose de Henri Cueco, Jean-Claude Latil, Michel Parré, Gérard Tisserand, Christian Zeimert, et demeure actif entre 1968 et 1981.

 

Très engagé, la Coopérative des Malassis travaille à des oeuvres communes. Une peinture au vitriol destinée à brocarder la société et ses représentants politiques.

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Cette formation anglaise, composée de Genesis P-Orridge  et Cosey Fanni Tutti, réalise entre 1969 et 1976 une succession de performances qui choquent le public par leur radicalité et les références systématiques à la pornographie et le meurtre en série.

 

COUM transmission est aussi à l’origine du groupe de musique industrielle Throbbing Gristle, la formation se complétant alors de  Peter Sleazy Christopherson et Chris Carter.

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Déclaré né avec Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso en 1907, le Cubisme est la courant artistique qui a le plus marqué l’esprit du public. Son nom lui aurait été attribué par Matisse à la vue des Maisons à l’Estaque de Georges Braque, oeuvre cependant refusée au Salon d’automne de 1908.

 

Braque et Picasso, entourés par le marchand d’art Daniel-Henry Kahnweiler, seront bientôt rejoints par Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier et Fernand Léger.

 

On distingue traditionnellement plusieurs périodes dans le Cubisme. Le Pré-cubisme, le Cubisme analytique de 1910 à 1912, où toutes les facettes d’un objet ou d’un paysage sont présentées en fragments et le Cubisme synthétique de 1912 à 1914 qui célèbre le retour à la couleur.

 

Les oeuvres cubistes seront classées par le régime nazi comme une composante de l’Art dégénéré.

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Da Da... Deux syllabes enfantines pour incarner un mouvement d'envergure en Surréalisme et qualifier ce qui n'avait pas encore de nom : la voie Anti Art ouverte par Marcel Duchamp depuis l'Armory Show.

Le mot Dada est né en février 1916 à Zurich dans le sillage de la création du Cabaret Voltaire. Quelques mots clés pour apprécier le mouvement : dérision, extravagance et provocations ! Il serait cependant vain de tenter de savoir qui est l'inventeur de son nom. Chaque protagoniste, dans une posture très dada, a sa propre version des faits...
Mais tous sont unis par une haine de la guerre : Hugo Ball, le déserteur allemand et sa compagne Emmy Hennings ; les Roumains Tristan Tzara, Marcel Janco, Arthur Segal ; les Allemands Richard Huelsenback, Hans Richter et Christian Schad ; les néerlandais Otto et Adya van Rees ; l'Alsacien Jean Arp et sa future épouse la Suissesse Sophie Taeuber.

Encore imprégnés par l'Expressionnisme et le Blaue Reiter, marqués par le Futurisme, bien que pacifistes, ils revendiquent la dérision et l'absurde dans des soirées Dada agitées. Fermé par les autorités 6 mois après son inauguration, le Cabaret Voltaire donne naissance à une galerie Dada à Bahnhofstrasse. Celle-ci exposera notamment les artistes du Groupe Sturm.
L'armistice signée, les membres de Dada essaiment leurs expérimentations en France, en Allemagne, en Hollande, aux Etats Unis : un Club Dada est créé à Berlin par Richard Huelsenback où Kurt Schwitters sera refusé, l'amenant ainsi à créer le groupe Merz ; le groupe dada voit le jour à Cologne sous l'impulsion de Max Ernst, de Jean Arp et de Johannes Theodor Baargeld; la centrale Dada naît en Hollande ; le groupe Dada parisien se place sous l’autorité d'André Breton.

Très inventif, souvent drôle, Dada s'essouffle dans des dissensions internes qui culminent avec le procès contre Maurice Barrès pour Crime contre la sûreté de l'esprit.
En 1923, le Surréalisme finit par supplanter Dada et le faire-part de la mort de Dada est rédigé par Jacques Rigaut.

Toutefois, l’esprit Dada survécut bien au-delà dans plusieurs courants même si les héritages sont difficiles à établir clairement. Le Club des Réverbères tente en 1938 de revitaliser le mouvement. Mais c’est véritablement dans la branche française de Fluxus, avec les actions de Ben et de Serge III que l’esprit Dada semble avoir le mieux perduré…

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Dau al set (Dé sur le sept) est un groupe catalan d’inspiration surréaliste fondé en 1948 à Barcelone et qui disparaît en 1953.

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Mouvement transdisciplinaire créé par Theo van Doesburg et associé au Néo-Plasticisme décrit et théorisé par Piet Mondrian. Ils revendiquent les mathématiques, l'utilisation des trois couleurs primaires, rouge, jaune et bleu, ainsi que celle des trois couleurs non-couleurs primaires, blanc, gris et noir ; Surtout, ils en appellent aux formes simples, aux contrastes entre les verticales et horizontales et leur confrontation avec l'angle droite.
L'introduction par Theo Van Doesburg de la diagonale donnera naissance à l'Elémentarisme en 1926.

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Le Delarge est un dictionnaire d'artistes. Commencé en 1956 par Jean-Pierre Delarge, l'ouvrage recense aujourd'hui plus de 31 000 artistes du XXe siècle à aujourd'hui et ce dans le monde entier.

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Créé en 1920 à Prague, ce mouvement d’avant garde a été fondé par Adolf Hoffmeister, Jaroslav Seifert, Karel Teige, Vladislav Vančura. Il s’auto-dissout en 1930.

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Die Brücke (le pont), premier groupe expressionniste allemand), apparaît en 1905, quelques années avant die Blaue Reiter. Il est fondé par 4 étudiants en architecture : Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl et Karl Schmidt-Rottluff.

 

C’est au groupe Die Brücke que l’on doit la création de la linogravure… 

 

La dissolution du groupe donne naissance à la Dresdner Sezession (Sécession dresdoise) en 1919.

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En 1937, le poète et philosophe Charles Sirato met au point la théorie du Dimensionisme. Inspirée des découvertes d'Einstein sur la relation Espace-Temps, le Dimensionisme invite la littérature à sortir de la ligne, la peinture à créer des plans et la sculpture à approcher la quatrième dimension. Le Manifeste du Dimensionisme sera signé par les plus grands artistes de l'Avant-Garde, tels que Jean Arp, Pierre Albert-Birot, Camille Bryen, Alexander Calder, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, César Doméla, Marcel Duchamp, Vincent Huidobro, David Kakabadzé, Vassily Kandinsky, Frédéric Kann, Katarzyna Kobro, Ervand Kotchar, Joan Miro, Ladislas Moholy-Nagy, Nina Negri, Ben Nicholson, Mario Nissim, Antonio Pedro, Francis Picabia, Enrico Prampolini, Anton (Anna) Prinner, Siri Rathmans, Charles Sirato, Sophie Taeuber-Arp. group art_track

Le Divisionnisme est une technique picturale utilisée par les néo-impressionnistes et dont Georges Seurat a assuré la promotion dès le milieu des années 1880 en parlant d’impressionnisme-luminisme, de peinture optique ou encore de chromo-luminarisme. Très proche du Pointillisme, le Divisionnisme fait passer la peinture de la chimie à l’optique et s’inspire pour cela des études de Chevreul et de l’étoile de couleurs de Charles Blanc. Cette approche consiste à juxtaposer des couleurs pures sur la toile : un bleu et un jaune devant donner l’impression du vert… Et comme Paul Signac, l'exprime dans son ouvrage D’Eugène Delacroix au Néo-Impressionnisme qui sert de Manifeste au Divisionnisme :" le Néo-impressionnisme ne pointille pas mais divise ! "
Le divisionnisme est une étape assez importante au 19e siècle dans la route artistique qui conduit à la Modernité. Le divisionnisme va servir de point de départ à la création de la Société des Artistes Indépendants et au Salon des indépendants ; ensuite parce qu'il sert de base aux travaux du Fauvisme ; encore parce que l'idée reprise par Giacomo Balla pour créer le Divisionnisme italien, servira d'inspiration au Futurisme ; enfin parce que plus tard, il permettra une nouvelle fois de rapprocher Art et Sciences, lors de la naissance du Cinétisme, attirer par les recherches sur la lumière et les persistances rétiniennes. On en retrouve également des réminiscences dans les dessins de Robert Malaval ainsi que dans l'approche des Camouflages d'Alain Jacquet.

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Ce groupe, fondé en 1919, par Otto Dix et Conrad Felixmüller prend la suite de Die Brücke.

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Technique de l’Action Painting, inventée par Jackson Pollock en 1947 et qui consiste à placer la peinture dans une boîte percée pour mieux la répandre sur la toile.

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Nom pris par un groupe d’artistes à Mexico entre 1942 et 1944 sous la houlette de Wolfgang Paalen, proche du Surréalisme.

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Variante du Land Art et qui fait de la terre devient un terrain de jeu d’où extraire les matériaux permettant de créer des oeuvres s’étendant sur plusieurs kilomètres.

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Il y avait le Récup Art. C’est avec ce même esprit de récupération que Daniel Spoerri (Isaac Feinstein) invente l’Eat Art.

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Par Ecole, on entend généralement un groupement d’artistes réuni autour d’un maître dans un espace géographique donné. 

 

Ce nom n’est souvent qu’une façade et met plutôt en avant l’effervescence artistique qui règne en un lieu à un instant donné. Ainsi peut-on parler d’Ecole de Londres, d’Ecole de New York,  d’Ecole de San Francisco, d’Ecole de Saint Soleil ; ou encore, d’Ecole de Barbizon, d’Ecoles bretonnes, d’Ecole de Concarneau, d’Ecole de Metz, d’Ecole de Nancy, de l’Ecole de Nice, d’Ecole de Paris, d’Ecole de Pont Aven, d’Ecole de Tunis, d’Ecole de Vienne, d’Ecole de Washington.

Le nom de ce groupement d’artistes doit son nom au village de Barbizon, situé de Fontainebleau. C’est là qu’à partir de 1825, l’Auberge Ganne reçoit comme la pension Gloannec en Bretagne, quelques uns des meilleurs peintres paysagistes. Tous ont en commun de vouloir peindre d’après la nature.

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Moins célèbre que l’Ecole de Pont-Aven, l’Ecole de Concarneau réunit des artistes de tout horizon, venus en Bretagne chercher un mon originel, celui des marchés, des fêtes et des retours de pêche.

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L’Ecole de Londres regroupe des artistes anglais qui prônent et revendiquent un retour à la figuration au début des années 60. Fondée par le peintre Ronald B. Kitaj, l’Ecole de Londres regroupe Michael Andrews, Frank Auerbach, Lucian Freud, Ronald B. Kitaj, Leon Kossoff.

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Antérieure à l’Ecole de Nancy dont elle est en quelque sorte la continuité, l’Ecole de Metz puise dans les représentations romantiques et le Moyen-Age de quoi alimenter la peinture, le vitrail et la sculpture. Le conflit de 1870 met fin à cette école qui alimente de son savoir-faire l’Ecole de Nancy.

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L’Ecole de Nancy s’inscrit dans le courant de l’Art nouveau. Elle utilise des motifs naturels fleurs et animaux pour donner ses lettres de noblesse aux arts décoratifs.

Héritière de l’Ecole de Metz, elle est célèbre pour ses verreries.

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Le nom de l’Ecole de New-York est apparu dans les années 50 pour qualifier les artistes expressionnistes abstraits américains. Elle s’incarne dans l’Action painting, c’est-à-dire le geste et l’émotion, en dehors de toute reproduction de la nature. L’oeuvre témoigne ainsi de l’énergie et de la psychologie de l’artiste. C’est son âme que l’artiste dépose sur la toile…

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L’École de Nice n’est pas en soit un courant artistique. Elle fédère plutôt un ensemble d’artistes, unis par un espace géographique sur la base d’affinités électives, en « une vraie salade niçoise » qui se réunit dans les cafés : au Provence, au Biarritz, au Café de Turin ou au Félix-Faure. Né à la fin des années 50, défendu par Jacques Lepage et le galériste Alexandre de la Salle, le mouvement se situe à la croisée des chemins entre Nouveau Réalisme, Fluxus, Supports-Surfaces et incarne bien les soubresauts artistiques nés en région dans le courant des années 60, capables de dépasser le centralisme parisien pour s’octroyer une reconnaissance internationale et faire face au géant américain. Le mouvement est officiellement dissout à Vence, après 50 ans d’existence le 4 décembre 2010 au musée Rétif, au cours de performances menées respectivement par Pierre Pinoncelli et Jean Mas.

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Terminologie qui permet de regrouper sous une même bannière tous les artistes qui ont vécu à Montmartre et à Montparnasse dans les premières années du 20e siècle. 

Venus principalement de l’étranger, ces artistes s’arrêtent à Paris pour des raisons qui varient d’un individu à un autre. La population de l’Est, souvent de confession juive y est fortement représentée.

 

La Première guerre mondiale et la révolution bolchévique accélèrent ce mouvement migratoire. Tout comme l’accession d’Hitler au pouvoir.

 

Après guerre, c’est au tour de la Nouvelle Ecole de Paris de prendre le relai. Plus abstraite, elle offre une alternative à l’Ecole de New York.

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C’est un américain qui, sous les traits de Robert Wylie, donne en 1864 le coup d’envoi de ce que l’histoire appellera ensuite l’Ecole de Pont-Aven.

 

Après lui, ils sont des dizaines a trouvé refuge à l’Hôtel des Voyageurs ou la Pension Gloanec et peindre le quotidien des Bretons. C’est dans cette dernière pension que Paul Gauguin et Emile Bernard font connaissance. C’est là, qu’Emile Bernard invente le Synthétisme…

Trois vagues se succèderont sur les rives de l’Aven jusqu’en l’entre deux guerres, écrivant quelques-unes des plus belles pages de l’Histoire de l’Art

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1973… Depuis 10 ans déjà, les naïfs haïtiens ont la cote. le Moma, André Breton ou Malraux vantent les mérites d’une culture artistique originale.

 

Pour échapper à une production naïve devenue quasi industrielle, Maud Robart et Tiga (Jean-Claude Garoute) fédèrent une communauté d’artistes à une vingtaine de km de Port-au-Prince autour du thème de la culture vaudou. L’Ecole de Saint Soleil est née.

 

Dissoute en 1978, l’Ecole de Saint Soleil donne naissance au groupe des Cinq Soleils.

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Ecole de San Francisco = Bay Area Figurative school

 

Active entre 1950 et 1960, l’Ecole de San Francisco naît d’une volonté de renoncer à l’abstraction au profit d’un retour au figuratif.

Les artistes qui composent cette école se répartissent en trois groupe : la Bay first génération artists area school, issue de l’Expressionnisme abstrait et la Bay second génération artists area school. Enfin, la Bridge génération qui fait le pont entre les deux générations.

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L'Ecole de Sète doit sa renommée à sa lumière et à la beauté de son port, lui qui ne manqua d'attirer les artistes arrivés avant ou dans le sillage de l'écrivain Paul Valéry. Elle regroupe des artistes comme le peintre d'origine polonaise André Blondel, François Desnoyer, Pierre François, Topolino, Lucien Puyelo, Joseph Francelli, André Cervera, Adrien Seguin, Jean Raymond Bessile, René-François Gregonia, Jacinto Moreno, Aldo Biascamano, Marie Banegas.

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Lancée en 1949, L’Ecole de Tunis puise son origine dans le Groupe des Quatre et le Groupe des Dix. Elle réunit un ensemble d’artistes fédérés par l’idée d’une appartenance à une même géographie et une même culture, sans distinction d’origine ou de religion. 

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L’Ecole de Vienne du réalisme fantastique voit le jour au détour des années 60. Se mêlent dans leur peinture des motifs d’inspiration fantastique, ésotérique, biblique.

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L’Ecole de Washington est active de la fin des années 1950 à l’extrême fin des années 1960. Elle réunit un ensemble d’artistes actifs à Washington DC et appartenant tous au mouvement du Colorfield Painting. Leur travail abstrait se caractérise par l’utilisation de larges bandes de couleurs.

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Nom générique donné pour regrouper des artistes très divers, les uns assimilés à l’Ecole de Concarneau et les autres à l’Ecole de Pont-Aven.

Le mouvement est né en 1926 d’une scission au sein de De Stilj entre Piet Mondrian et Theo Van Doesburg. De Stilj reconnaît depuis 1918 les lignes horizontales, les lignes verticales ainsi que la création de plans et d’architectures par les angles droits. Theo Van Doesburg amène ce qu’il appelle une contre-composition à partir de 1924 : il introduit la diagonale dans ses compositions. Il mettra également en application sa théorie de l'Elémentarisme en réalisant l'aménagement de l'Aubette à Strasbourg entre 1926 et 1928.

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Popularisée par Arman, la technique consiste à enduire un objet ou une coupe d'objet de peinture ou d'encre avant de l'appliquer sur un support en plan, une toile, ou un papier. Apparue en 1961, la technique est finalement assez proche de l'estampe et est déclinée par Arman à travers une succession de gestes comme l'Empreinte-Accumulation, l'Empreinte-Colère ou la Coupe-Empreinte.

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L'Energétisme n'est pas un groupe constitué mais plutôt une intention de Jean Legros, exprimée dans une lettre à Aurélie Nemours.

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Ce groupe d'artistes espagnols se forme en 1957 à Paris au Café du Rond Point. Influencés par l'Art Informel et les mathématiques, il réunit des architectes, des sculpteurs et des peintres : Ángel Duarte, José Duarte, Agustín Ibarrola, Jorge Oteiza et Juan Serrano. Créé à Paris, le groupe s'installe d'abord au Danemark, dans le sillage de Richard Mortensen, avant de prendre place à Cordoue où le groupe étend son action et gagne alors en membres. Un seul mot d'ordre : refuser la déification de l'artiste ou la narration de l'oeuvre au profit d'une construction graphique qui cherche l'interactivité avec le public. Aucune oeuvre n'est donc signée.Equipo 57 demeure actif jusqu'en 1962. group event_available art_track

Formé en 1965, ce groupe de peintres opposés au franquisme joue la carte de la dérision et s’exprime par le biais de l’affiche et de la bande dessinée. Assez comparable esthétiquement à la Figuration narrative, le mouvement disparaît en 1975 avec l’extinction du franquisme. Ce mouvement est également rattaché à la Figuration Narrative.

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La définition de l’estampe peut paraître complexe. Elle est en réalité assez simple si l’on saisit que les mots estampe et tampon sont voisins de par leur étymologie et leur sonorité.

L’estampe est une image créée par un artiste puis imprimée à partir des traits gravés sur une matrice. C’est en raison de cette intervention technique, « la gravure », que le mot gravure s’est imposé dans le vocabulaire courant au détriment d’estampe.

Lorsque l’artiste intervient dans la création de la matrice et que, de ce fait, elle n’existe dans aucune autre technologie, l’oeuvre d’art est considérée comme une oeuvre originale.

Si seul le graveur intervient dans la réalisation de l’estampe à partir d’un original, on parle alors d’estampe d’interprétation et donc de reproduction. C’est alors le tirage qui définit la valeur de l’estampe : tant en qualité qu’en nombre.

Le vocabulaire technique accompagnant la réalisation des matrices est assez riche. On parle de xylographie et de bois de fil et de bois debout, de linogravure, de matrice en métal réalisée en taille douce ou à la manière noire ; d’eau forte, d’aquatinte, de manière de crayon, d’héliogravure ou encore de gravure au carborendum. Et, bien sûr, de lithographie, de pochoir, de sérigraphie ou de chromolithographie. Enfin, plus récemment, d’estampe numérique !

Célèbres dès le 16e siècle avec Albrecht Dürer, les estampes ont parcouru toute l’histoire de l’Art et fait un grand retour au 19e siècle sous l’influence des estampes japonaises Ukiyo-e et Shin Hanga.

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Courant artistique et mystique né outre manche aux alentours de 1860 et qui affirme le Beau comme religion. Il est souvent envisagé comme un dérivé du Symbolisme et réunit les préraphaélites.

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Né antérieurement au Contemporeanos, l’Estridentisme réunit au Mexique à partir de 1921 les tenants de l’avant garde futuriste et dadaïste, toutes disciplines confondues.

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Nom d’un mouvement né Zagreb, dans une Yougoslavie dominée par Tito et actif de 1950 à 1956. Les artistes qui le composent, s’opposent au réalisme socialiste et en appellent aux mélanges des disciplines, à l’Art Abstrait, la communication visuelle. Tout devant déboucher sur l’idée du Total Design.

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Né en juillet 1948 en Hollande, l’Experimentalisme (Experimentelen ou Groupe expérimental hollandais, préfigure le mouvement CoBrA. Il est créé par Constant le 16 juillet 1948 à son domicile. Une création suivie d’un manifeste. Il exprime dans la revue Reflex son « rejet du nationalisme bourgeois dégénéré » et en appelle à l’imagination comme seul référent artistique.

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Une exposition temporaire est un événement organisé par une galerie d’art, un centre d’art ou un musée pour présenter des objets d’art, des oeuvres issues de l’art ancien, moderne ou contemporain sur une durée annoncée. L’ouverture d’une exposition au public est précédée d’un vernissage, sorte d’avant-première réservée à des invités.
Une exposition temporaire est monographique et prendre la forme d’une exposition rétrospective chronologique ou thématique. L’exposition collective ou de groupe peut suivre la même logique de présentation. Elle peut également voir le jour sous la forme d’un simple accrochage ou bénéficier d’une scénographie particulière, avec ou sans Curateur. Dans tous les cas, les oeuvres exposées sont accompagnées d’un cartel, détaillant le titre, la date d’exécution de l’oeuvre, sa technique et toutes les informations complémentaires que l’artiste voudra ajouter sur le contexte de réalisation de l’oeuvre.

Les oeuvres exposées s’inscrivent dans les registres artistiques disponibles à l’époque de organisation de l’événement : design, photographie d’art, tableaux, sculptures, art video, installations, performances, etc.

Dans les galeries, certains centres d’art et les lieux d’expositions, les oeuvres d’art sont proposées à la vente aux visiteurs et/ ou collectionneurs.

Les expositions temporaires doivent leur apparition à la naissance de la figure emblématique du collectionneur au XVe siècle, bientôt suive par celle du marchand d’art. Au XVIIIe siècle, ce sont les Académies royales des Beaux-Arts qui prennent le relais, en France et en Angleterre. Pour autant, ce n’est vraiment qu’avec l’entrée dans la Modernité et la montée des Avant-gardes que les expositions temporaires se généralisent, notamment avec la multiplication des Salons et l’ouverture des galeries. Un mouvement qui ne cessera de s’intensifier à compter de 1947 pour atteindre les fréquences de rotations que l'on connaît aujourd'hui.

Ces expositions sont présentées dans des magazines spécialisés sous la forme d'un Agenda des expositions.

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Comme tout mouvement artistique, l’Expressionnisme naît d’une opposition à la génération artistique antérieure. L’impressionnisme et le naturalisme avaient tant cherché à représenter le réel ! Et le réel, à la veille du premier conflit mondial, promettait de se montrer si terrible ! La naissance du mouvement avait déjà été annoncée avec die Brücke et die Blaue Reiter… Le Cri d’Edward Munch devint un emblème : s’y exprime l’angoisse de toute une génération d’artistes, en Allemagne, mais aussi dans toute l’Europe.

 

Mouvement important, qualifié d’art dégénéré par les nazis, l’Expressionnisme a tracé un large sillon dont on peut continuer à percevoir les traces dans le Réalisme magique, CoBra ou encore dans l’Action Painting.

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L’Expressionnisme abstrait apparaît aux Etats unis avec la Seconde Guerre mondiale et affirme le triomphe de l’Art américain face à toutes les autres nations.

 

Né à un moment où le MoMa vient tout juste de faire son apparition, l’Expressionnisme abstrait est régulièrement assimilé à l’Ecole de New York ainsi qu'aux techniques de l’Action Painting et Colorfield painting.

 

Le mouvement vit de multiples influences, notamment celle des artistes européens, ex-filtrés grâce à l’intervention, entre autres, d’Eleanor Roosevelt, épouse du Président américain. Dès 1941, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Max Ernst, André Masson, Roberto Matta, Piet Mondrian et Yves Tanguy vivent à New York et offrent un point de contact non négligeable avec les tenants de l’Expressionnisme Abstrait que sont Jackson Pollock ou Robert Motherwell. C'est aussi à New York que Peggy Guggenheim ouvre sa galerie musée Art of This Century.

 

Le mouvement disparaît avec l’arrivée du Pop Art.

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« La cage aux Fauves ». L’expression est de Louis Vauxcelles, décrivant alors une pièce centrale sous la verrière du Grand Palais où se tient le Salon d’Automne de 1905. Dans cette salle, voici donc le retour de la couleur et les oeuvres de Charles Camoin, André Derain, Albert Marquet, Henri Manguin, Henri Matisse, et Maurice de Vlaminck.

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Les fenêtres RosTA apparaissent pour la première fois dans le courant de l’année 1919 sous l’impulsion et la persévérance de Maïakovski, aidé dans sa tâche par Vladimir Lebedev et Vladimir Kozlinski.
Le nom ROSTA est un acronyme formé à partir Rossiyskoye Telegrafnoye Agentstvo ou Российское телеграфное агентство : la future agence TASS.

Les affiches, inspirées de la tradition populaire du lubok, reprennent les principes de l’Agit prop : des dessins et des messages simples adressés au peuple sous la forme d’une petite histoire ou de quelques vers poétiques. Placardées en grand nombre dans le lieux les lieux publics les premières fenêtres ROSTA sont lithographiées puis coloriées à la main.
Ces affiches parfois produites à 2000 exemplaires annoncent l’arrivée des photomontages de Rodchenko, des affiches de la propagande du réalisme socialiste, le début de la publicité et même du Pop Art.

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Acronyme mis pour Fancony, Faucher et Villa, un groupe d’artistes formé dans en 1973 dans le grand mouvement créatif qui suit la naissance du Groupe 70, Supports Surfaces, etc.

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La Foire Internationale d’Art Contemporain naît à la faveur du début des années 70. La 3e édition, datée de 1976, première manifestation d’envergure, investit le Grand Palais sous la présidence de Daniel Gervis. 

La 3e édition de l’événement rejouer presque un millier d’artistes pour près d’une centaine de galeries.

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La Figuration libre est le grand mouvement artistique des années 1980. Son nom lui est donné par Ben Vautier, définissant ainsi le travail de Robert Combas et Hervé DI Rosa :  : « 30% provocation anti-culture, 30% Figuration Libre, 30% art brut, 10% folie. Le tout donne quelque chose de nouveau ».

 

La Figuration Libre, par opposition avec l’Art minimal, l’Art conceptuel, l’Arte Povera et Supports Surfaces, puise son inspiration dans la vie de tous les jours, estompant les frontières entre art, mode et rock’n roll. 

 

Le mouvement, proche de l’Art urbain, les artistes de la Figuration libre s’abreuve moins aux sources du graffiti que leurs homologues américains.

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La Figuration narrative surgit dans l’Histoire de l’Art en 1964 alors même que l'art américain semble avoir définitivement pris le pas sur Paris. Défendue par le critique Gérald Gassiot-Talabot, elle prône un retour à la figuration et se présente comme une alternative au Nouveau réalisme.

Souvent associée au Pop Art, elle s’en démarque volontiers, le trouvant peu critique et pas suffisamment engagé dans les luttes politiques et révolutionnaires de l’époque des années 60. Publicités, images tirées de films ou bandes-dessinées expriment, par le réalisme des sujets traités, un regard sarcastique le monde environnant.

Le mouvement parvient à son apogée en 1968 pour s'éteindre en 1972 avec l'exposition 72/72, autrement appelée "exposition Pompidou" où certains artistes, trop politisés, sont mis à l'écart par les instances gouvernementales. C'est alors que naît le Front des Artistes Plasticiens qui appelle au boycott... Le 16 mai 1972, jour de l'inauguration, c'est le tollé général : les Malassis décrochent leur toile Le Grand Méchoui... Ce qui fera écrire au ministre de la Culture dans le Journal Officiel du 30 septembre 1972 : "Le Ministre des Affaires culturelles (...), sans préjuger, pour sa part du jugement de la postérité des oeuvres exposées au Grand Palais, a cru y voir l'expression pathétique, ironique ou provocante des recherches, des désarrois, voire des impasses de la création contemporaine." On connaît la suite...

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Le terme est apparu en 1989 à l’occasion de la mise en scène d’une oeuvre de Dread Scott Tyler intitulée What is the proper ? Why to display a U.S. Flag ?. Le principe ? Contraindre les visiteurs à marcher sur le drapeau américain avant de visualiser des images de manifestations contre la politique étrangère américaine.
Cette approche s'inscrit dans le prolongement des travaux Pop Art entamés sur les drapeaux par Jasper Johns dès 1955.

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Fluxus est une sorte d’internationale artistique. Héritier de l’esprit Dada, influencé de l’esprit de John Cage, le mouvement n’a d’autre projet que d’affranchir toute frontière entre la vie et l’Art. Au programme, des Happening, des events et des pièces musicales qui suivent les voies ouvertes par John Cage. Théorisé en grande partie par Georges Brecht, puis Georges Maciunas, neuf foyers géographiques assurent sa diffusion à travers le monde : New-York, San Francisco, Los Angeles, Boulder, Copenhague, Prague, Okoyama, Tokyo et Nice. Chacun d’eux organise une destruction systématique des dictats artistiques pour un Art Total qui s’expérimente et se vit. Tout est désormais Art !

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Groupe né en Italie sur fond de tendance marxiste avec Piero Dorazio, Pietro Consagra, Mino Guerrini, Achille Perilli, Giulio Turcato, par la suite associé au Movimento Arte Concreta (MAC).

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Technique artistique qui trouve son origine dans les travaux de Ladislav Novak et où le fraisage et le collage d’éléments froissés donne naissance à un dessin.

Cette pratique se retrouve dans les travaux de Jiří Kolář; ceux de Ladislas Kijno.

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Avec un nom en clin d’oeil au bonhomme Ripoulin, ce collectif d’artistes est lié à la Figuration Libre. Ils habillent les rues d’affiches peintes entre 1984 et 1988 avant de se tourner vers une carrière solo.

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Le Funk Art se situe à la frontière entre Ecole et mouvement régional. Né en Californie du Nord, le Funk Art entend s’opposer à l’Expressionnisme abstrait en revenant à la figuration. 

 

Cette figure est abordée avec humour, dérision et même auto-dérision. A travers une des tendances du Funk Art, l’Art de l’assemblage, La peinture peut intégrer des objets trouvés.

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On souligne rarement l'importance du Futurisme dans l'histoire des Avant-gardes. Son rôle est pourtant capital ! D'abord parce que pour la première fois dans l'Histoire de l'Art, il appelle l'artiste à sortir de passivité contemplative pour devenir l'acteur d'une révolution permanente ; ensuite parce que c'est bien la première fois que l'on rédige un Manifeste ; mais surtout parce que le Futurisme est le prélude à la naissance du Cubo-futurisme, du groupe des Futuroslaves, du Suprématisme, de l'Orphisme ou encore de Dada. Inventé par le vers-libriste italien Filippo Tommaso Marinetti, le Futurisme est un concentré de provocations mises en scènes lors des scandaleuses soirées Futuristes. On y distribue des éphémères à la manière des tracts de Fluxus, on y insulte aussi beaucoup, Marinetti invectivant le public pour voir "Rome submergée par l'urine"... Le premier Manifeste du Futurisme, publié en première page du Figaro en février 1909, donne le ton de ce que doit être le futur : il exalte la modernité, la vitesse, la machine et la guerre, « comme seule hygiène du monde ». D’abord italienne, cette utopie s'applique à tous les types d'expression artistique : littérature et arts graphiques, peinture, sculpture, architecture et musique. La littérature et les arts graphiques finissent par ouvrir les voies de la publicité avec Fortunato Depero ; la peinture cherche à atteindre le dynamisme pictural et pousse plus avant les travaux du Divisionnisme en les combinant avec les travaux d'Etienne-Jules Marey et d'Eadward Muybridge pour obtenir des répétitions de formes. Cette perception du monde et de l'art trouve un écho un peu partout en Europe et notamment à Paris où Boccioni réside. Il marque encore plus les esprits dans la Russie pré-soviétique à travers le Valet de Carreau et Vladimir Maïakowski. Dans un premier temps proche de l’anarchisme, Marinetti adhère de plus en plus au nationalisme, jusqu’à rejoindre l’idéologie fasciste.

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Le groupe des Futuroslaves fédère des peintres à partir de 1910 et jusqu’en 1914, des musiciens et des poètes russes. D’abord à forte tendance Futuriste tout en gardant leur indépendance avec le Futurisme italien, le groupe imaginé par David et Vladimir Bourliuk évolue progressivement vers le Cubo-futurisme.

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Mis pour Groupe de Recherche d’Art Visuel, le G.R.A.V naît à la faveur des années 60 sur une quête d’un art qui accèderait enfin à une fonction sociale dans une interaction avec le public. Proche du Cinétisme et créé en 1961, dissout en 1968, il fait la part belle aux matériaux contemporains apparus dans les années 60 et joue ainsi avec la lumière, le mouvement et les persistances rétiniennes. D'abord nommé Centre de Recherches d'Art Visuel, nom au sujet duquel Joël Stein écrira "Nous nous sommes vite aperçus que nous n'étions le centre de rien", le G.R.A.V doit aussi sa création au groupe Motus, un premier essai non concluant, impliquant toujours Horacio Garcia, Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Joël Stein, Jean Pierre Yvaral.

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Le graffiti est un des modes d’expression de l’Art Urbain. Il est en réalité aussi vieux que l’histoire de l’Humanité puisqu’on le trouve déjà à Lascaux et dans l’Antiquité grecque et romaine, notamment à Pompéi. Vient ensuite la renaissance du Graffiti dans les années 60 : Taki 183, Tracy 168, Akmy, Stay High 149 couvrent les rues et le métro de New York de signatures qui très vite, prennent une apparence et une orientation plastique.

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Le groupe der Grosse Bär tire son nom de l'astronomie... Les 7 étoiles de la Grande ourse pour 7 artistes réunis à Ascona en 1924 pour incarner une lumière dans l'obscurité. De dimension internationale, le groupe réunit des artistes suisses, américains, hollandais et russes. : Ernst Frick, Walter Helbig, Albert Kohler, Gordon Mallet McCouch, Otto Niemeyer-Holstein, Richard Seewald, Otto van Rees et Marianne von Werefkin.

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Le Groupe 42, Skupina 42, apparaît en 1942 à Prague. Nous sommes alors en plein conflit mondial. Jiří Kolář, bientôt connu également pour ses collages, est alors le seul poète du groupe. Il occupe cependant une place de choix au milieu des peintres, du sculpteur, du photographe et des théoriciens du groupe, Jiří Kotalík et Jindrich Chalipecky. Le nom de Jindrich Chalipecky donnera naissance, par la suite, au prix mondialement reconnu et très convoité en Tchéquie par les plasticiens de moins de 35 ans. Ensemble, les artistes du Groupe 42, auront tenté d’exprimer la poésie des nouveaux paysages de nos villes, ancrées dans la modernité

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Le Groupe 58 apparaît en Italie autour de Guido Biasi et s’associe les artistes Franco Palumbo, Mario Colucci, Mario Persico et Lucio Del Pezzo.

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Né à Nice dans le sillage de l’Ecole de Nice, le Groupe 70 naît du Groupe INterVENTION, créé et animé par Raphaël Monticelli et Marcel Alloco. Cousin de Supports Surfaces, le Groupe 70 regroupe cinq artistes : Louis Chacallis, Max Charvolen, Vivien Isnard, Serge Maccaferri, Martin Miguel.

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Le groupe a.r est créé par Katarzyna Kobro et son mari Władysław Strzemiński alors qu'ils viennent tous deux de quitter le groupe Praesens. Avec Henryk Stażewski et les poètes Jan Brzękowski and Julian Przyboś, ils inventent le Groupe a.r. pour "artistes révolutionnaires" ou "real avant-garde". L'option pour l'une ou l'autre signification ne fut jamais clarifiée. Actif jusqu'en 1932, sans jamais se dissoudre, le groupe a.r revendique l'alliance de l'art abstrait et de la poésie.

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Le groupe Anonima naît à Cleveland en 1960 autour de Ernst Benkert, Francis Hewitt et Ed Mieczkowski. Fédérés par le refus et le rejet de l’expressionnisme abstrait, leur orientation est socialiste. Leurs recherches s’attachent à la compréhension des phénomènes scientifiques qui président à la perception optique.  

 

Intégrés à l’exposition Responsive Eye en 1965, leur travail n’est pas alors bien compris et classé sans discernement dans l’Op Art. Le groupe disparaît en 1971 et il faudra attendre les années 2000 pour que le groupe Anonima soit perçu comme le seul groupe collaboratif américain capable de concurrencer le Groupe Zéro, Gruppo N et le GRAV.

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Créé le 15 octobre 1916 dans le prolongement du Club artistique de Passy totalement délaissé par ses membres pour raison de guerre, le Groupe Art et Liberté, constitué en association d’artistes, réunit la fine fleur de l’Art et de l'architecture autour d'Auguste Perret, son fondateur.

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Le Groupe Arturo naît en 1944 et prend l’apparence d’une revue qui dès son lancement, aborde la question de l’Art abstrait tout en posant le premier jalon de l’Art abstrait sud-américain.

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Le nom de ce collectif d’artistes est un clin d’oeil à la mode des expositions Paris-Moscou, Paris-Berlin, Paris-New York et Paris-Paris. Né à Poissy en 1982, le groupe réunit une dizaine d’artistes, fédérés par le rock et le Graffiti et liés à la Figuration Libre.

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Un groupe créé en hommage au Montpelliérain et Impressionniste Frédéric Bazille, né en 1841 et mort au front durant la guerre de 1870. Le groupe est emmené par Gabriel Couderc, Camille Descossy, George Dezeuze, Jean Milhau. Des artistes, qui quelques années plus tard, vont former avec une seconde génération d'artiste le Groupe Montpellier-Sète.

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Bazooka est un collectif d’artistes créé autour de Kiki Picasso (Christian Chapiron), Loulou Picasso (Jean-Louis Dupré) et Electric Clito (Olivia Clavel).  Dominique Fury, Lulu Larsen, Bananar (Bernard Vidal), Jean Rouzaud et Ti5 Dur (Philippe Bailly) les rejoignent.

 

Lié à la Figuration libre, opérant dans la veine des situationnistes, il travaille entre 1974 et 1978 à une création collective qui trouve un support dans la presse principalement par un collage de collage d’images.

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C’est après une rencontre avec le Groupe UNOVIS à Vilnius que Henryk Stazewski décide de créer le Groupe Blok des Cubistes, Constructivistes et Suprématistes en Pologne. Le groupe reste actif à Varsovie entre 1924 et 1926.

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Le groupe de 1863 prépare se qui deviendra l’Impressionnisme. Le groupe réunit de jeunes artistes, en opposition avec l’Art Académique et s’organise autour de la figure d’Edouard Manet qui au Salon des Refusés présente son Déjeuner sur l’herbe… Scandale en perspective, bien entendu... group event_available

Groupe créé en 1943 par Jacques Busse, Jean-Marie Calmettes, Jean Cortot, Daniel Dalembert, Jacques Dufresne, Christiane Laran, Michel Patrix. Il tire son nom de leur habitude d’utiliser une échelle pour aller admirer Paris depuis les toits.

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Encore un nom qui doit beaucoup à la toponymie ! Au cours de l'année 1911, le 7 rue Lemaître à Puteaux est occupé par Gaston Duchamp dit Jacques Villon et Raymond Duchamp-Villon dans une sorte de communauté d'artistes. C'est dans cet atelier que leur plus jeune frère, Marcel Duchamp (Henri - Robert - Marcel Duchamp) vient régulièrement les retrouver avec Francis Picabia. On y joue aux échecs, on y commente les travaux de Henri Bergson, on y analyse les mathématiques non euclidiennes, on y observe les chronophotographies de Marey... C'est dans ce milieu bouillonnant d'idées et de culture que germe l'idée de créer la Section d'Or.

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Le groupe de Stieglitz tient son nom du photographe Alfred Stieglitz qui montra dans sa galerie de la 5e avenue de jeunes peintres américains aux côtés des oeuvres de Georges Braque, Paul Cézanne, Henri Matisse, Pablo Picasso et Francis Picabia. group event_available

Fondé en 1964, le Groupe des Amandiers réunit Claude Malherbe, André Pédoussaut, Hervé Masson, Achiam (Ahiam Soshany), Adriam, Estival, Jean Even, Laurent Lefèvre, Romain, Robert Saint-Cricq.
Il doit son nom aux ateliers de la rue des Amandiers à Paris.

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Faisant suite au Groupe de 1863, le Groupe des Batignolles doit son nom au quartier où ses membres ont l’habitude de se rencontrer en cette fin de 19e siècle. Edouard Manet, qui n’est pas alors encore connu, dispose d’un atelier rue Médéric. Les membres du groupe, tous de jeunes peintres en devenir, fréquentent assidument le café de Guerbois, au 11 rue de Clichy. group event_available

Groupe informel né en 1978 suite à la dissolution de l’Ecole de Saint Soleil.

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Le Groupe des Dix (The Ten) naît aux Etats Unis en 1935 sous la houlette de Mark Rothko et d’Adolph Gottlieb. Influencé par l’Expressionnisme, le Groupe des Dix perdure jusqu’en 1940.

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1935 : Henri Héraut, critique d’art et peintre, réunit un ensemble d’artistes autour d’une idée : les Forces Nouvelles. Cette démarche, née en opposition aussi bien à l’Impressionnisme qu’à l’avénement du Cubisme est plus largement à l’Abstraction en général, revendique un retour « au métier consciencieux de la tradition dans un contact fervent avec la nature. Le groupe se disperse au début de la Seconde Guerre mondiale.

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Huit peintres fédérés en 1908 avec l’envie de lutter contre une forme d’académisme tout en tentant d’imposer un style américain en puisant leurs sujets dans le monde qui les environne. Leur style demeure marqué par leur formation et la puissance de l’Art européen, notamment avec l’Impressionnisme, les Nabis ou encore le Fauvisme. group event_available

Le Groupe des Quatre (The Group of Four) s’est formé en 1925 pour fédérer  quatre Galiciens : Sigmund Menkès, Joachim Weingart et Leon Weissberg. Tous appartiennent à l’Ecole de Paris.

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Le Groupe des Quatre Arts est né en 1925. Conduit par Pavel Kouznetsov, il suit l’instauration du Groupe symboliste La Rose bleue et réunit plus de 70 artistes cherchant à réunir peinture, sculpture, dessin et architecture. Le groupe disparaît en 1931.

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le Groupe des Vingt voit le jour en 1883. Les Vingtistes sont nés à Bruxelles sous la tutelle d'Octave Maus. Ce groupe d'avant-garde marque un intérêt et un goût prononcé pour la lumière, ce qui n'est pas sans résonner en écho avec l'Impressionnisme et le Postimpressionnisme, deux tendances que Théo van Rysselberghe, l'un de ses fondateurs, connaît bien. group event_available

Derrière ce nom énigmatique se dissimulent Roma Napoli et JJ Dow Jones. Les deux artistes sévissent depuis 1982 et peuvent être rattachés à la Figuration Libre. A ce détail près que les oeuvres sont morcelées pour prendre place dans un happening loufoque qui traduit les obsessions de notre vie de tous les jours. En janvier 1983, ils inventent ainsi « Le premier super marché d’art » où 4 000 peintures, signées 10/10, incarnent des produits de consommation courante. Elles sont présentées avec animateurs de vente, caisse enregistreuse et musique d’ambiance…

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Le groupe du Falot (la Lanterne) voit le jour à Genève en 1915 sous l'initiative de Maurice Barraud, fréquemment qualifié de Matisse Suisse. Il réunit son frère, François Barraud (qui deviendra Gustave François), Hans Berger, Emile Bressler, Gustave Buchet et Eugène Martin. Ouvert à une peinture plus moderne, le groupe assure la mise en page de l'Eventail à partir de 1917 ; 21 numéros, présentant toujours une oeuvre de Maurice Barraud, graphiste de formation, en couverture.

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Le Groupe Dvizhenie (Mouvement) est créé par Lev Nusberg en 1962. Le Manifeste du groupe ne date cependant que de 1966. Ses membres axent leurs recherches en direction sur le champ cinétique. 

 

Les premiers membres de ce groupe Mouvement sont Mikhail Dorokhov, Francisco Infante-Arana, Viacheslav Koleichuk, Anatolij Krivchikov, Viacheslav Scherbakov, Viktor Stepanov et Rimma Zanevskaya. Plus tard, Vladimir Akulinin, Galina Bitt, Tatiana Bystrova, Vladimir Galkin, Alexander Grigorjev, Juri Lopakov, Natalia Prokuratova s’associent au groupe.

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Fondé en février 1957 à Madrid par Manuel Rivera, le Groupe El Paso est la réponse espagnole à l’Ecole de New York. Etape clé de l’histoire de l’Art en Espagne, le Groupe El Paso perdure jusqu’en 1960. Fondé par Il revendique son appartenance à l’Art informel et fédère des artistes non pas sur une expression commune mais des références communes. Les maîtres sont Franz Kline, Jackson Pollock et Mark Rothko ; les artistes sont Rafael Canogar, Martin Chirino, Luis Feito, Juan Frances, Manuel Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura, Pablo Serrano, Antonio Suãrez, Manuel Viola.

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Le Groupe Espace voit le jour en France puis en Blegique, en Suisse, en Italie, en Angleterre ainsi qu'en Finlande dans le contexte de reconstruction qui suit l'après Guerre. Félix Delmarle et André Bloc en sont à l’origine. Tous deux sont en effet à la recherche d’une synthèse des Arts et Félix Delmarle, plus spécifiquement, d’une association capable de mettre en scène la théorie de la « couleur dans l’espace ». Tous deux appellent à une esthétique constructiviste nouvelle.

La mort de Delmarle et de Bloc finit par vider le Groupe de son sens. Sa disparition donne vie au Groupe Mesure.

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En 1922, le Groupe G naît à Berlin de la rencontre entre El Lissitzky (Lazar Lissitzky), László Moholy-Nagy, Theo van Doesburg, Ludwig Mies van der Rohe, Hans Richter et de Jean Arp. Par G ils entendent Gestaltung (Force créatrice).

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Le groupe KWY s'organise à partir de 1958 autour d'un panel d'artistes portugais installés à Paris. L'acronyme KWY répond à une particularité linguistique : ces trois lettres sont absentes des mots usuels portugais. On croise dans ce groupe les figures du renouveau de l'Art portugais d'après Guerre avec René Bertholo, Lourdes Castro, António Costa Pinheiro, Gonçalo Duarte, José Escada, José Vieira. Ouverts aux artistes étrangers, ils sont rejoints par Christo, tout juste arrivé de Bulgarie et Jan Voss. Ils lancent ensemble la revue KWY, ouverte aux avants-gardes. Ensemble, ils annoncent le grand retour de la figuration dans l'Art que consolide la Figuration Narrative.

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Le groupe la Queue d’âne naît d’une scission avec le Valet de Carreau en 1912. Créé par Michel Larionov et Natalia Gontcharova, le groupe entend s’écarter d’une approche cézannienne de la peinture pour revenir à une inspiration russe tirée de motifs populaires. Un néo-primitivisme qui fit sensation et reprend à travers son nom l’invective de Elya Répine : « c’est de dessous la queue d'un âne que sont nés les tableaux de Cézanne. »

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Collectif d’artistes affilié à la Figuration libre et né en 1984 autour de l’idée d’un art transdiciplinaire nécessitant l’intervention de chaque membre du groupe sur tout projet initié par un membre du groupe. Il en résulte une multiplicité d’oeuvres picturales, d’actions, d’installations et de films.

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Le groupe Merz est créé par Kurt Schwitters. Il évolue en parallèle à Dada, après que Kurt Schwitters, pourtant très ami avec Jean Arp et Raoul Hausmann, se soit vu refusé l'accès au groupe Dada de Berlin emmené Richard Huelsenback. Le nom de ce groupe lui est inspiré de son tableau Merzbild, produit en 1919, qui joue avec le mot Kommerzbank tiré d'une affiche. L'idée, à la base de Merz, aura beaucoup de succès et trouvera des prolongements jusque dans le Lettrisme et le Nouveau Réalisme : utiliser les rebuts et les déchets du monde industriel pour intégrer les objets du quotidien dans l'art. Le concept, étendu à partir de 1920 à l'architecture ouvre sur le Merzbau... construire à partir de déchets épars assemblés pour former une architecture. Sa maison de Hanovre, détruite lors des bombardements en constitue la synthèse et fera les délices des membres du Constructivisme.

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Le Groupe Mesure naît en 1960 de la disparition du Groupe Espace. Lancé par Georges Folmer aidé de Jean Gorin, le groupe revendique son intérêt pour l’Art géométrique et se déclare « groupe expérimental de recherches plastiques formelles ». Il en appelle également à l’utilisation des matériaux nouveaux apparus avec l’ère industrielle. On a là le ferment de l’Art cinétique.

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Descendant du Groupe Bazille, le Groupe Montpellier-Sète apparaît en 1953. on doit la création du groupe à L'initiative de la création du Groupe est attribuée Gabriel Couderc, Camille Descossy et François Desnoyer. Ils sont bientôt rejoints par Jean Raymond Bessil, Gérard Calvet, George Dezeuze, Pierre Fournel et ne revendiquent pas d'autre élément fédérateur que leur seule appartenance à la région. La couleur demeure cependant une question importante dans leur travail. Non figé, le groupe s'adjoint régulièrement de nouveaux membres lors d'expositions organisées ici et là. Ces autres artistes sont : Pierre Ambriogiani, Jacques Arnaud, Eugène Baboulène, André Blondel, Jean Fusaro, Jean Hugo, Jean Milhau, Maurice Elie Sarthou, Adrien Seguin.

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L'initiative de la création du Groupe Motus revient d'abord à Vasarely... En 1959, au cours d'une conversation, il explique à François Morellet et Joël Stein qu'un groupe d'Argentins vient d'arriver à Paris et qu'ils devraient tous deux aller les voir. La rencontre se fait et met en présence Julio Le Parc, François Molnar, François Morellet, Francisco Sobrino et Horacio Garcia-Rossi. Le groupe, très éphémère, donnera ensuite naissance au Groupe de recherche et d'art visuel : Le G.R.A.V.

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Le Groupe Mukhomor est né en 1978 de la rencontre entre Sven Gundlach, Konstantin Zvesdochetov, Alekseem Kamenskim et des jumeaux Vladimir et Sergei Mironenko. Rattaché au mouvement Conceptuel, le groupe d'artiste et très actif en Russie pendant 6 ans et produit des peintures, des collages, des textes littéraires, tout autant qu'il mène des actions et assure l'émergence d'un vaste communauté underground en Russie. Le groupe est dissout par l'appel sous les drapeaux de l'ensemble de ses membres. seul Sergei Mironenko échappe à l'armée : il travaille alors à des décors pour un théâtre dans une zone de déportation près du cercle polaire.

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le Groupe N, a eu plusieurs vie en une seule. Né à Padoue, il doit d'abord son nom à une superposition de sens entre le grec Ennea, c'est-à-dire 9, et Enne, l'infini. Le "a" marque alors l'engagement de ce groupe d'étudiants en école d'architecture. De 9, le groupe de jeunes étudiants passe à cinq, regroupant ainsi Alberto Biasi, Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi, Manfredo Massironi. N est né... Héritier du Futurisme, il mêle provocations, art optique et politique. La politique sera d'ailleurs la cause de sa dissolution en 1964... Survivant sous le nom de N 65, avec seulement Alberto Biasi, Edoardo Landi, Manfredo Massironi, le groupe disparaît 1 an plus tard.

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Le collectif d’artistes Nuklé-Art naît en 1984 de la rencontre entre Kriki, Kim Prisu et Paul Etherno. Proche de la Figuration Libre, le groupe intervient en milieu urbain sur les murs.

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Créé en 1960 en Hollande par Jan Shoonhoven, Armando, Jan Hendrikse, Herman de Vries et Henk Peeters, le Groupe Nul cherche, à l’image des Nouveaux Réalistes, à échapper au carcan de l’Art Informel des années 50. Les oeuvres, comme dans l’industrie, sont produites en série et s’inspirent des travaux menés par Lucio Fontana ou Yves Klein : le monochrome bien sûr, mais aussi la combustion des flammes sur la toile, avec en prime, une incursion dans le monde du Cinétisme.

La référence à Nul comme avec le Groupe Zero, affirme la volonté d’efface l’implication de l’artiste dans la production de l’oeuvre.

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Le groupe Origine est lancé par Mario Balocco, Alberto Burri, Giuseppe Capogrossi, Ettore Colla en 1949. Tout comme ses cousins, l'Art Club, le Spazialismo, Forma 1 et le mouvement Arte Nucleare, il assure la circulation de l'Art Concret en Italie avec le Movimento Arte Concreta (MAC).

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Né en 1956 à Valence en Espagne, le groupe a connu deux vies, toutes deux organisées autour de l'abstraction figurative. La première, lors de sa création par Vicente Aguilera Cerni, regroupant alors Agustín Albalat, Manuel Gil, Salvador Montesa, Vicente Castellano, José Esteve, Juan Genovés et Jacinta Gil ; la seconde à partir des années 60, rejoint alors Alfaro, Isidoro Balanguer, José Martínez Peris, Eusebio Sempere et Salvador Soria.
Le groupe est dissout en 1961.

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Le groupe Plex a laissé peu d'informations sur son histoire et son fonctionnement. On en retrouve la trace à travers un de ses membres, Dieter Koll, artiste notamment présent dans l'exposition organisée par A.B.C. Productions : 100 artistes dans la ville en 1970.

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Le groupe Praesens naît en Pologne dans le sillage de l’architecte Szymon Syrkus, bientôt rejoint par Józef Szanajca and Bohdan Lachert ainsi que les créateurs du Groupe Blok, Henryk Stażewski, Władysław Strzemiński et son épouse, la sculptrice Katarzyna Kobro. Le premier numéro d’une revue éponyme voit le jour en 1926. Des dissensions internes modifient la composition du groupe en 1929. Alors que l'exposition internationale de Poznan bat son plein, Katarzyna Kobro, Henryk Stażewski, Władysław Strzemiński quittent le groupe Praesens. Déjà s'annonce le Groupe a.r.

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Le groupe Puget naît en 1962 à Ibiza autour des personnalités de Vincent Calbet, Ferrer Guasch, Toni Pomar, Antoni Marí Ribas Portmany.

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Le groupe RA naît en 1946 en Tchécoslovaquie, dans le sillage du Groupe de Sporilov. Le Groupe RA se réclame du Surréalisme révolutionnaire et doit sa naissance aux peintres Josef Istler et Bohdan Lacina ainsi qu’aux écrivains Ludvik Kundera et Zadnek Lorenc. Le groupe est assez proche de CoBra. L’invasion de la Tchécoslovaquie met un terme aux activités du groupe en 1948.

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Groupe surréaliste wallon fondé en 1934 et actif jusqu’à fin 1938 avant de donner naissance au Groupe surréaliste en Hainaut en juillet 1939.

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Collectif d’artistes s’organise autour d’Armando Nizi, directeur de la Galerie Sincron à Brescia en Italie qui entre 1967 et les années 2000, va assurer la diffusion du travail des géométriques italiens et de quelques sud américains, à l’image de Horacio Garcia-Rossi et Julio Le Parc.

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Rudolf Altsul, Libor Fára, Zbynek Havlicek, Frantisek Juzk et Robert Kalidova fondent le Groupe Sprorilov en 1943, en pleine occupation nazie. Affilié au Surréalisme tchèque, le Groupe de Sporilov doit son nom à un quartier de Prague où les membres du groupe ont pris l’habitude de se retrouver.

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Le Groupe SPUR (Gruppe SPUR) naît en 1957 de la réunion de Heimrad Prem, Helmut Sturm, Hans-Peter Zimmer et le sculpteur Lothar Fisher. Né en Allemagne, ce groupe constitue la première initiative artistique d'avant-garde d'après guerre. Il s'inscrit dans ce dynamisme et cette vitalité artistiques qui traversent l'Europe à l'approche des années 60. Du reste les membres du Groupe SPUR rejoignent l'Internationale Situationniste, avant d'en être exclu en février 1962.

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Le groupe Surréaliste en Hainaut succède à Rupture. Il voit le jour le 1er juillet 1939.

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Le Groupe T naît à Milan en 1959 dans le sillage de l’Art Cinétique. Par le « T », ses fondateurs Davide Boriani, Gabriele De Vecchi, bientôt rejoints par Giovanni Aneschi, Gianni Colombo et Grazia Varisco, en appellent à la variable « Temps » pour donner vie à l’art à travers des jeux de lumière interactifs.

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Dans Textruction, il y a « texte » et « destruction ». Le rencontre entre ces deux mots se fait à la faveur de la rencontre entre Jean Mazeaufroid, Georges Badin, Gérard Duchêne, Gervais Jassaud et Michel Vachey. Dans le sillage de Supports Surfaces, ils inventent à partir de 1971, un nouveau langage qui déconstruit le tableau et utilise les mots et le signe pour donner vie à de nouveaux champs visuels, sans signifiant ni signifié, par des opérations d’assemblage et de glissements pour un effet qui n'ai ni celui du Lettrisme ni celui des typographes.

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Apparu dans le sillage de l'explosion créative des années 60, le Groupe Travail-Art se forme en 1970 autour de Joël Frémiot, Jean Mauret, Georges Mérillon et Bernard Michez et maintient son activité jusqu'en 1973.

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Le groupe Témoignage naît à Lyon le 22 décembre 1936 à Oh27 sur l’initiative de René-Maria Burlet, Joseph Silvant, Louis Thomas. Ils sont aidés dans leur projet par galériste anarchiste Marcel Michaud, qui publie également la revue du groupe, Le Poids du Monde, et ouvre la galerie Folklore. Ce groupement, premier du genre à réussir une fusion entre province et capitale, revendique la poésie, la musique, la peinture et la sculpture… Le tout saupoudré d’un peu d’ésotérisme… Le Groupe rassemble bientôt une quinzaine d’artistes et chaque exposition est l’occasion de mêler et mixer tous les genres, la peinture se mêlant aux poèmes et à la musique en une sorte de happening avant l'heure. Le Groupe Témoignage disparaît avec la Seconde Guerre Mondiale. group event_available

Acronyme de Utverditeli Novogo Iskusstva, (Champion du Nouvel Art), le groupe Groupe UNOVIS a été créé par Kasimir Malevich en 1919. Sont le rayonnement perdurera jusqu’en 1922.

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La création du Groupe Valet de Carreau constitue une étape clé dans l’histoire de l’Art soviétique. Sa création en 1910 s’appuie sur une exposition éponyme. Elle réunit une quarantaine d’artistes, venus de Russie mais aussi de France ou d’Allemagne, avec en toile de fond, une allégeance aux travaux de Cézanne.

 

La scission de Michel Larionov et Natalia Gontcharova avec le groupe du Valet de Carreau donne naissance au groupe La Queue d’âne.

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En 1964, un groupe expérimental captivant qui mêle musique et performances. Proche de George Maciunas et du mouvement Fluxus, ce petit groupe d'artistes emmené par les musiciens Walter Marchetti, Juan Hidalgo ainsi qu'Esther Ferrer.
Le groupe se dissout et disparaît définitivement dans les années 90.

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Groupe d’artistes créé à Düsseldorf et actif de 1957 et 1960. Il se compose de Heinz Mack et Otto Piene, bientôt rejoints par Günther Uecker. Leur travail, à l’image du GRAV s’engage sur le chemin de l’Art Cinétique. Le Groupe Zero s’ouvre régulièrement à des artistes fédérés sous d’autres groupes. C’est ainsi qu’en complément aux membres fondateurs, le Groupe Zero s’ouvre au GRAV, au Nouveau Réalisme, Gutaï, Groupe Nul, Groupe T, Groupe N

La fondation International ZERO est créée en 2008.

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Le groupe Etant donné naît en 1996 et associe quelques-uns des meilleurs acteurs du Graffiti :  Daniel Baugeste, Miss Tic, Paëlla Chimicos et les VLP.

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Le Groupe Zamek (Grupa Zamek) naît en 1957 en Pologne. Ses membres les plus influents, Wlodzimierz Borowski, Tytus Dzieduszycki et Jan Ziemsk, sont alors étudiants en Histoire de l'Art à l'Université catholique de Lublin. D'abord tentés par l'Art Abstrait, Dada et le Surréalisme, les membres du groupe trouveront, à la dissolution de Zamek en 1960 après une dernière exposition à Paris, leur propre chemin d'exploration. C'est ainsi que Wlodzimierz Borowski défriche dès 1958 les voies de l'interactivité et de la vie artificielle avec ses Artons.

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Créé à Bâle en 1933, le Gruppe 33 (Groupe 33) réunit des artistes suisses antifascistes, militant pour la valorisation du Surréalisme et de l'Art Abstrait. Très engagé, le groupement s'organise autour de ses membres fondateurs que sont Otto Abt, Walter Bodmer, Paul Camenisch, Théo Eble, Max Sulzbachner, Rudolf Maeglin, Louis Weber, Walter kurt Wiemken. group

Né à Düsseldorf, Gruppe 53 (Groupe 53) rassemble les artistes du Tachisme Peter Brüning, Karl Fred Dahmen, Albert Fürst, Winfred Gaul, Herbert Götzinger, Gerhard Hoehme, Peter Royen. Ce groupement d'artistes, associé aux groupes Zen 49 et Quadriga assura la circulation de l'Art Abstrait en Allemagne dans les années qui suivirent le second conflit mondial. Avec Otto Piene et Heinz Mack, ils fondent le groupe Zero.

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Gutaï est un mouvement artistique japonais inventé Jirō Yoshihara dont rayonnement s’étend de 1954 à 1972. Son nom est une contraction du mot Gu (instrument) et Taï (corps). Par essence, il s’oppose donc à l’abstraction, le corps devenant un élément majeur d’une intervention artistique ou picturale qui reste le plus souvent éphémère et s’exprime sous la forme de performance dans la forêt et des lieux isolés en mêlant danse, musique, peinture et nécessite la participation de tous les sens.

 

Popularisé en Europe par le critique Michel Tapié, Le mouvement se délite à la mort de Jirō Yoshihara.

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H

Le terme Happening est utilisé dans le monde de l’art pour désigner une performance artistique. La première manifestation de ce genre est due à John Cage en 1952 avec Theater Piece No. 1. L’extension du mouvement Fluxus par delà les frontières américaines ont popularisé un phénomène qui bien souvent, joue et se nourrit de provocations. Violentes ou morbides avec l’Actionnisme viennois ou les profanations de Michel Journiac ; maîtrisées chez Arman à la manière du Gutaï ;ludiques avec les interventions de Ben, Pierre Pinoncelli ou encore Serge III.

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Groupe d’artistes nordiques actifs pendant la seconde Guerre Mondiale et qui rejoignent ensuite le mouvement CoBra.

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I

Ibiza… Le nom a fait et continue de faire rêver… En 1959, des artistes venus d’Allemagne et des Etats-Unis, mais aussi de Suède, de Russie et d’Espagne, se rassemblent sur l’île hippie sous le sceau de l’abstraction.
Ibiza 59 rassemblent Erwin Bechtold, Erwin Broner, Pierre Haubensack, Hans Laabs, Katja Meirowsky, Bob Munford, Egon Neubauer, Antoni Ruiz, Carlos Sansegundo, Bertil Sjoeberg, Bob Thompson, Heinz Trökes.
Le groupe se sépare en 1964.

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Avril 1874. Voilà plus de 10 ans déjà qu’un petit groupe de jeunes artistes tente de faire reconnaître son talent alors que l’Art Académique règne en maître. Non éligibles au Salon de Paris, faisant scandale au Salon des Refusés institué par Napoléon III avec le Déjeuner sur l’Herbe d’Edouard Manet, ceux qui n’existent alors que sous le nom de Groupe de 1863, puis de Groupe des Batignolles, créent la Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs et Graveurs. Une solution pour enfin organiser leur propre exposition. Cette première exposition, regroupant 39 artistes, prit ses marques dans l’atelier de Nadar. Impression, Soleil levant de Monet, raillé par le critique Claude Leroy dans Charivari, donna son nom au mouvement le plus important du 19e siècle : l’Impressionnisme, bientôt suivi du Postimpressionnisme. group event_available perm_media

L’internationale situationniste naît officiellement le 28 janvier 1957 à Cosio di Arroscia de la fusion entre l’Internationale Lettriste, le Mouvement international pour un Bauhaus Imaginiste (MIBI)et le Comité psychogéographique de Londres. Théorisé et inspiré par Guy Debord et sa femme Michèle Bernstein, bientôt rejoints par les peintres Asger Jorn, Giuseppe Pinot-Gallizio et Ralph Rumney, l’Internationale situationniste affirme sa volonté irréductible de changer le monde par la création de situations susceptibles de changer notre quotidien. Volontiers révolutionnaire, l’Internationale situationniste prend une part active dans les événements de 1968 avant de se dissoudre en 1972 après de multiples exclusions, comme celle des artistes du Groupe SPUR. L’internationale Situationniste aura réuni 72 membres. Les théories qui y sont abordées sont condensées et exposées dans le texte fondateur de Guy Debord : Rapport sur la construction de situations et sur les conditions de l’organisation et de l’action de la tendance situationniste.

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J

Le Joseph, à l'image du Bénézit ou du Bellier et Auvray, compile l'ensemble des biographies des artistes exerçant entre 1910 et 1930. Créé par René Edouard-Joseph, et couramment appelé le Joseph, ce dictionnaire est paru en quatre volumes entre 1930 et 1937.

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L

Atelier-boutique Fluxus ouvert par George Brecht et Robert Filliou à Villefranche-sur-Mer et imaginé comme un centre international de la création permanente totalement intégré à la vie des gens.

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1941. Les intellectuels et artistes fuient pour les Etats-Unis grâce à Eleanor Roosevelt, première dame des Etats-Unis, ainsi que grâce à Varian Fry, son émissaire à Marseille. A bord, André Breton. Le Surréalisme, d'abord resté sans chef, s'organise pour survivre en France sous le nom de la Main à Plume, une expression empruntée à Arthur Rimbaud dans une Saison en Enfer. Héritier du groupe Les Réverberères, la Main à Plume prit une part active à la lutte anti-nazie, notamment à travers une revue éponyme. Certains de ses membres perdirent la vie dans cette lutte à l'image des hommes de lettres Jean-Claude Diamant-Berger, Hans Schoenhoff, Jean-Pierre Mulotte, Jean Simonpoli, Marco Ménégoz, Robert Rius ainsi que la peintre Tita (Edita Hirschova). group

Située au 2 passage Dantzig à Paris, la Ruche est un des lieux mythiques de Paris, rendu célèbres dès son ouverture au début du 20e siècle. 1900... Alfred Boucher est devenu un artiste célèbre. Il achète d'abord un terrain avant de s'intéresser aux restes de l'exposition universelle... Racheté aux enchères le pavillon des vins de Gironde, créé par Gustave Eiffel, devient avec sa forme octogonale le coeur d'une cité d'artistes comprenant une soixantaine d'ateliers. Pourquoi la Ruche ? Tout simplement parce que Alfred Boucher, dont l'histoire n'était pas encore terni par la seconde Guerre Mondiale, voyait en ce lieu un bourdonnement d'artistes dont l'activité lui rappelait celui d'une ruche.

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L’Art est-il un langage ? La question, posée par Hegel cherchant à analyser cette activité de l’esprit humain pose la question du moyen d’expression de l’artiste et comment, soudain, après avoir puisé dans d’innombrables références antérieures, l’artiste parvient à dégager une manière de s’exprimer qui n’appartient qu’à lui et qui fait que son travail se distingue et se reconnaît au milieu de tous les autres.

Le Biarritz se trouve Place Masséna à Nice. Dans les années 50, Jacques Lepage y anime le Club des Jeunes, un lieu important à Nice qui préfigure et prépare le grand mouvement artistique qui se concentrera à Nice à travers l’Ecole de Nice, Supports Surfaces et le Groupe 70.

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Haut lieu de la culture niçoise situé avenu Félix Faure, il accueille régulièrement les artistes de l’Ecole de Nice.

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Le Provence, situé avenue Félix Faure fut le café de prédilection de tous les artistes présents à Nice entre 1948 et 1964.

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Letatline est une sculpture volante inventée à partir de 1931 par le sculpteur constructiviste Vladimir Tatline. L'idée de cette sculpture souligne le champ d’action et de recherche du Constructivisme sur fond d’innovation technologique. Ce mouvement n’est pas sans rejoindre les problématiques de l’Art Rétrofuturiste.
Bien entendu ces sculptures ne voleront jamais. Mais elles restent source d’une infinie poésie.

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Mouvement créé en 1968 par Jörg Immendorf. Le mouvement est contestataire et n'est pas sans rappeler, à travers ses différentes branches, LIDL académie, LIDL théâtre, LIDL espace ou LIDL sport, les grandes actions de l'agit-prop. Immedorf, élève de Joseph Beuys, maoïste puis écologiste, vise ainsi à une transformation sociale en profondeur. Les actions du mouvement sont marquées par leur esprit contestataire. group

Les Lundis de Monjoie ! sont le prolongement de la gazette bimensuelle Montjoie créée par l'Italien Ricciotto Canudo, lui-même marié à la première égérie du Futurisme, Valentine de Saint-Point. Sous-titrée Organe de l'impérialisme artistique français, la revue et ses rendez-vous incarnent un curieux mélange entre esprit nationaliste et innovation artistique. Viennent à ces rassemblements des Lundis de Montjoie ! : Robert Delaunay, Dunoyer de Segonzac, Erik Satie, Fernand Léger, Blaise Cendrars, André Salmon, Joseph Csaky, Henry Valensi et Marc Chagall.

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Le mouvement international MADI est né à Bueno Aires en 1946. A l’origine du mouvement, Carmelo Arden Quin, Ignacio Blaszco, Martin Blaszco, Esteban Eitler, Gyula Kosice et Rhod Rothfuss. Proche de l'Art Concret, le mouvement joue avec les formes concaves et convexes, la multiplication des plans, les couleurs et les matières. group event_available art_track

Un Manifeste est une profession de foi définit par un artiste ou un groupe d'artistes pour fédérer un ensemble d'artistes autour d'un concept, d'une idée ou d'une vision artistique. Cette déclaration publique tient lieu d'étendard et d'affirmation d'une posture. Si l'on excepte le Manifeste du Symbolisme rédigé par le poète Jean Moréas, le premier Manifeste rédigé est celui du Futurisme. Publié par voie de presse sous la plume Filippo Tommaso Marinetti en 1909, il appelle à une révolution permanente et donne naissance au grand mouvement des avant-gardes qui va courir tout au long du XXe siècle. Viendront ensuite, pour les plus connus, le Manifeste Dada, le Manifeste de l'Art concret, le Manifeste du Surréalisme, annonçant avec vigueur l'apparition d'une multitude de manifestes tout au long des années 60.

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La profession de marchand d’art naît à Florence et Bruges au XVe siècle, dans le sillage de l’apparition d’un autre acteur du marché de l’Art : le collectionneur. A cette époque, l’action du marchand d’art se concentre principalement sur son rôle de régulateur contractuel entre l’acquéreur d’une part et l’artiste d’autre part.

Il faut attendre le 19e siècle pour voir la profession prendre sa pleine mesure, s’organiser et commencer à se structurer. Au 19e siècle, les deux archétypes du marchand d’art nous sont proposés par Emile Zola dans l’Oeuvre, à travers les personnages de Malgras et Naudet. Malgras appartient à une ère pré-capitaliste ; Naudet, déjà, à celle de la spéculation.

A la célébrité des Durand-Ruel, Henry Khanweiler et Ambroise Vollard, Georges et Daniel Wildenstien, Viennent s’ajouter après guerre les noms de Guildo Caputo, Emmanuel David, René Drouin, Paul Faccheti, Louise Leiris, Pierre Loeb, Aimé Maeght, Raymond Nasenta, Jean Pollac, Denise René,etc. Autant de marchands qui vont assurer un nouveau regard sur l’Art et populariser l’art de leur temps.

L’activité de marchand d’art suppose généralement d’investir un lieu. Il peut s’agir d’une galerie d’art ou d’un appartement privé, l’appartement privé permettant de mettre en place une scénographie qui ressembler à l’intérieur d’un collectionneur.Le galeriste y reçoit sa clientèle et assure la promotion et la commercialisation du travail des artistes qu’il représente en organisant des expositions temporaires. Servant de pendant à l’exposition temporaire, un fonds d’oeuvres de l’artiste peut également être constitué pour alimenter une exposition permanente.

Il arrive fréquemment qu'un marchand d’art se livre également à des activités de courtage.

Le groupe Moderne Bund (l'Alliance moderne) est la première association d'avant-garde suisse. Concomitante du Blaue Reiter, elle est créée par hans Arp, Walter Helbig et Oscar Lüthy en 1911. A l'issue d'une primière exposition à Lucerne, ils sont rejoints par Wilhelm Gimmi etHermann Huber. Cuno Amiet, les rejoint également. Le groupe se dissout en 1913 lors d'un voyage à Paris, sans plus de raison apparente, laissant chacun exprimer toute la mesure de son art au-delà du groupe d'artistes initial.

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Albert Gleizes avait déjà participé à l'aventure du premier phalanstère artistique de l'Abbaye de Créteil. En 1927, le hasard lui fait rencontrer une maison qui lui plaît tellement qu'il décide d'acheter avec sa compagne Juliette Roche : Moly-Sabat, autrement dit "sabots mouillés"...

Ils décident ensuite de l'ouvrir à l'accueil des artistes revenir à la terre. Installée à Sablons sur les bords du Rhône, l'ancienne maison de bateliers reçoit peintres, compositeurs, écrivains, céramistes et tisserands qui veuvent y travailler en toute quiétude, partageant leurs recherches et créations avec les habitants au cours d'ateliers ouverts.

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Le Groupe Motus apparaît avant le Groupe de Recherche d'Art Visuel. Cf. GRAV.

Imaginé par Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon, Bruno Munari, Atanasio Soldati, le Movimento Arte Concreta ou Mouvement pour l'Art Concret (MAC) voit le jour à Milan en 1948. Le mouvement s'inscrit clairement dans une sorte de généalogie de l'Abstraction. Par "Art Concret", il s'agit d'abord d'une référence claire à Theo van Doesburg : un art non objectif dominé par la géométrie ; le moment de son apparition, également, en dit long sur cette filiation : le Movimento Arte Concreta surgit quelques semaines seulement après la fin du 3e Salon des Réalités Nouvelles, rendez-vous annuel où Galliano Mazzon, Gianni Monnet et Bruno Munari exposent régulièrement.

Moment clé de l'Histoire de l'Art abstrait en Italie, le MAC s'étend à travers toute l'Italie et permet bientôt de fédérer le groupe Arte d'Oggi de Florence, l'Art Club de Rome, le Spazialismo, Movimento Arte Nucleare et le groupe Origine.

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Collectif d’artistes actif de 1980 à 1990, lié à la Figuration libre et formé par César Maurel, Tristan Dequatremare et Philippe Waty. Ils sont bientôt rejoints par Francky Boy (François Sévéhon), Fabrice Langlade et Dominique Gangloff.

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Le groupe Das Neue Leben, La Nouvelle vie, prend sa source dans Dada dont il dérive. Ce groupe d'artistes est créé par Marcel Janco à Bâle en 1918. Engagé sur la voie de l'abstraction, avec la volonté d'en faire un élément de la vie quotidienne, ce groupe réunit également Arnold Brügger, Augusto Gicaometti, Wilhelm Lüthy, Otto Morach, Alexander Zschokke.

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Le 27 octobre 1960, 8 artistes signent le manifeste du Nouveau Réalisme dans l’atelier d’Yves Klein. Le mouvement, ardemment défendu par le critique Pierre Restany, prône une « nouvelle approche perceptive du réel ». Au coeur de la production artistique désormais, par opposition à l’abstraction, et en droite ligne avec les ready made de Marcel Duchamp, l’utilisation et l’assemblage d’objets tirés de la vie quotidienne. Sur les 8 artistes signataires du premier Manifeste, trois artistes sont niçois, augurant ainsi d’une filiation à venir avec de l’Ecole de Nice. 

Le mouvement, dissout en 1970, demeure une des étapes les plus importantes de l’art en France.

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Difficile de fournir une définition claire de ce qu'a pu être la Nouvelle Ecole de Paris tant il est vrai que rien n'unit les artistes qui la composent si ce n'est leur appartenance géographique. L'expression, née sous la plume d'André Warnod dans le Figaro, entend donner un coup de projecteur sur une jeune peinture, tout juste apparue à la Libération et souvent née de la Résistance, et qui s'exprime tout autant à travers des artistes figuratifs qu'abstraits : Maurice Boitel en fait partie ; Hans Hartung également.

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Groupe d’artistes révolutionnaires créé en décembre 1918 par Max Pechstein et César Klein. Son nom est une allusion au mois préparant l’installation de la république de Weimar. Unis par idéal politique socialiste plus que par une direction artistique, le groupe prône la synthèse entre les Arts.

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Le Néo-plasticisme naît de la création de la revue et du mouvement de Stilj en 1917 par Theo van Doesburg et Piet Mondrian. C'est alors la naissance de l'abstraction géométrique et sa codification sous le nom du Néo-Plasticisme : seuls le jaune, le rouge et le bleu peuvent intervenir dans des compositions faites de lignes verticales et horizontales ; le noir s'y définit comme une non couleur ; le blanc comme toutes les couleurs.

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O

L'Os à Moelle est un café situé Passage Brady où Maurice Denis aime à retrouver ses amis Nabis, Pierre Bonnard, Paul Sérusier, Félix Valloton, Jan Verkade et Edouard Vuillard. C'est là que Maurice Denis est baptisé le "Nabi aux belles icônes" par ses camarades. group

D’abord née à Londres sous le nom de Ozenfant Academy en 1935, l’école d’Amédée Ozenfant prend pied à New York où Ozenfant s’exile entre 1939 et 1955. Il y diffuse largement ses théories, le Purisme et la Pré-forme.
Ozenfant déclarera ainsi être à l’origine de la formation d’une centaine d’artistes américains.

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Impossible d'évoquer Phases sans parler de ses connexions avec le Surréalisme, La Main à Plume ou encore CoBra. Au centre de ce réseau qui se considère avant tout comme un mouvement "convertisseur d'énergie", un seul homme : le Poète, dessinateur et critique d'art Edouard Jaguer, plus connu pour sa participation à la revue clandestine la Main à Plume et la revue CoBra.
Le mouvement Phases naît en Belgique en 1953, de la rencontre entre le Surréalisme et l'abstraction lyrique et a pour objectif, à travers sa revue éponyme, de soutenir le travail d'artistes aussi prolifiques que Jean-Michel Atlan, Camille Bryen, Asger Jorn, Henri Goetz, Karl-Otto Götz, Paul Revel, Pierre Soulages, Jean-Pierre Vieilfaure. A vocation internationale, le mouvement s'ouvre sur l'étranger et fait des émules à Sao-Paulo à travers groupe austral et une version tchécoslovaque. Le groupe disparaît avec sa revue en 1975.

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Le Piron est un dictionnaire d'artistes. Publié pour la première fois par Paul Piron en 1999, l'ouvrage concentre son attention sur les artistes plasticiens belges des 19e et 20e siècles et en recense quelque 25 000.

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La Pittura Colta (Peinture cultivée) est un mouvement italien théorisé dans les années 80 par le critique d'art Italo Mussa, en opposition à la Transavanguardia. A la même époque, Maurizio Calvesi parle d'Anacronismo (Anachronisme) et Italo Tomassoni d'Ipermanierismo (Hypermaniérisme) ; en suivant le même esprit et la même logique, Giuseppe Gatt parera lui de Nuova Maniera Italiana (Nouvelle Façon Italienne). group

Pop Art pour popular culture. Largement popularisé par la figure charismatique d'Andy Warhol, ce courant artistique voit le jour dans les années 50 à la fois en Angleterre et aux Etats-Unis mais dans des contextes très différents... L'Angleterre subit alors de plein fouet l'effort de reconstruction et connaît une pénurie en matériaux comblée par le recours au collage ; les Etats Unis, à l'inverse, entrent dans une ère de prospérité, une société de consommation où la publicité règne en maître. On a beaucoup écrit sur le Pop Art, l'influence anglaise du critique Lawrence Halloway et l'importance de Richard Hamilton avec l'Indépendant Group. L'oeuvre de ce dernier, Just What is it That makes today's homes so different, so appealipng ? est même devenue le symbole du Pop Art. Le parallèle entre le Pop Art et le Dadaïsme a également bien été identifié. La critique, en revanche, s'est moins intéressée aux relations entre Pop Art, Agit-Prop et Réalisme Socialiste. Le Pop Art pourrait s'apparenter au détournement d'un art de propagande, la Publicité, au service d'une critique acerbe de la société. On ne s'étonnera pas non plus de découvrir que Warhol est formé aux Arts graphiques et que son premier métier est bien celui de publicitaire. Un savoir-faire que l'on retrouve jusque dans sa collaboration avec les champions de la culture pop : le premier album du Velvet Underground et le Sticky Fingers des Rolling Stones.

Comble du sort, cette critique de la société de consommation, poussée à l'extrême transforme l'Art en produit de consommation à travers l'usage du multiple, de la sérigraphie et de toutes les techniques industrielles utilisables dans le monde de l'Art. Devenu international et incarnant une époque, le Pop Art essaime à travers toute l'Europe et même au Japon avec le Groupe Kaikai Kiki et Takashi Murakami. En France, le Pop Art rencontre l'univers des Nouveaux Réalistes et plus particulièrement l'Art de Martial Raysse. Mais aussi l'univers rock et paillettes de Robert Malaval. Au final, il est possible de définir le Pop Art dans son rapport à l'objet : l'objet lui même, et l'image de l'objet.

La Figuration Narrative mais aussi le Street Art sont les dignes héritiers de la culture Pop, empruntant à la publicité et à la bande dessinée tout un univers à féconder.

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Le postmodernisme apparaît en 1977. Sa naissance suppose un après Modernité comme il peut exister un Rétrofuturisme. La terminologie est assez débattue et ne recouvre pas tout à fait les mêmes réalités selon que l’on applique le vocable à de la musique, de l’architecture ou des arts plastiques. Le postmodernisme tend à réfuter les principales normes modernistes que sont « la nouveauté » ou « l’originalité » pour intégrer des références anciennes. L’ironie et le pastiche restent l’arme fatale du Postmodernisme.

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Inventée par Amédée Ozenfant, l’approche consiste à affirmer que tout sentiment ou sujet que l’on veut peindre existe quelque part dans la nature.

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Initiée par Amédée Ozenfant et Charles-Édouard Jeanneret dit Le Corbusier, cette théorie voit le jour en 1918 dans un manifeste intitulé Après le Cubisme. Cet ouvrage inscrit l’approche des deux artistes dans l’ère du Post-Cubisme et revient sur le bouleversement né du Cubisme tout en le définissant comme corrompu par l’ornementation.

Fasciné par l’univers de l’architecture, Amédée Ozenfant en appelle à la représentation simplifiée et schématique des objets du quotidien. Cette même approche constitue le point de départ des travaux picturaux de Le Corbusier.

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Comme Zen 49 et le Groupe 53, le groupe Quadriga participe au rayonnement et à l'expansion de l'Art Abstrait en Allemagne. Créé à Francfort autour des artistes liés au Tachisme que sont Otto Greis, Karl Otto Götz, Bernard Schultze, Heinz Kreutz, Emil Schumacher, le groupe disparaît en 1959.

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Le groupe de la Rose bleue, голубая роза, suit la Rose écarlate et tire son nom de l'exposition organisée dans les locaux de Kouznetsov, fabricant de porcelaine au 2 rue Miasnitskaia à Moscou. L'exposition réunit 15 artistes parmi lesquels Anatoly Arapov, Victor Borissov-Moussatov, Valeri Brioussov, Peter Ignatievitch Bromirsky, Arthur Fonvisine, Nikolaï Féolofilactov, Pavel Kouznetsov, Nikolaï Krimov, Alexander Matveyev, Nicolas Millioti, Piotr Savvitch Outkine, Nikolaï Sapounov, Martiros Sarian, Sergueï Soudeïkine.
Largement financée par Nikolaï Riabouchinski à qui l'on doit également la revue de la Toison d'or, cette exposition fut un immense succès dont on trouve le souvenir jusque chez Malevitch lui-même : La rose bleue y représentait le but et la perfection esthétique vers lesquels chaque membre du groupe devait tendre. Elle avait été choisie comme la plus belle et la plus fine de toutes les fleurs, une de celles qu'on ne trouvera jamais parmi les fleurs qu'on vend dans les magasins et sur les boulevards."

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Le groupe de la Rose écarlate, aлая pоза, naît à la faveur de l'année 1890 dans la ville russe de Saratov. Réunit sous la férule de Pavel Kouznetsov et de Piotr Savvitch Outkine, ce groupe d'artistes issu du Symbolisme recherche la pureté et l'intégrité qu'est sensée incarner la rose.
En 1904, La Rose écarlate organise une exposition éponyme dans laquelle figurent Nikolaï Sapounov, Martiros Sarian, Sergueï Soudeïkine, Nikolaï Féophilaktov, Mikhaïl Vroubel et Victor Borissov-Moussatov. Le Groupe de la rose écarlate disparaît au profit du Groupe la Rose bleue quelque temps plus tard.

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Proche de l'Expressionnisme, le Rot-Blau revendique les couleurs rouge et bleu, probablement par référence à Ludwig Kirchner et die Brücke. On distingue cependant deux versions de Rot-Blau (Rouge-bleu): Rot-Blau I, de 1924 à 1926, et le Rot-Blau II, de 1928 à 1930.
La première version du groupe Rot-Blau naît à Berne en 1924 de la rencontre entre Albert Müller, Hermann Scherer et Paul Camenisch. Ils seront rejoints par Hans Stocker et Werner Neuhaus peu de temps après. Le groupe se sépare assez rapidement, après trois expositions.
Le groupe Raut-Blau est réactivé en 1928 après la mort de Albert Müller, Hermann Scherer. Samuel Wülser, Hans Schmidt, Otto Staiger, Hans Stocker, Fritz Sulzbachner et Charles F. Vaucher rejoignent alors Paul Camenisch, Hans Stocker et Werner Neuhaus.

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Créé en 1954, le Salon Comparaisons s’attache à faciliter les relations entre artistes français et étrangers et faciliter la rencontre et la comparaison entre les différentes tendances de l’art actuel. Pour se faire, le salon se répartit entre 28 groupes d’artistes, de Matière et intériorité à « Expression hors les normes ».

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L'abstraction géométrique avait connu un certain succès avant guerre à travers le groupe Abstraction-Création. Au sortir de la guerre l'abstraction connaît un regain d'intérêt, ne serait-ce que parce que les artistes fuient toute représentation humaine depuis la découverte des horreurs du conflit. Cette tendance à l'abstraction est encore renforcée par la création du Salon des Réalités Nouvelles.
Initiée par le collectionneur Frédo Sidès et les artistes Jean Arp, Sonia Delaunay, Felix Del Marle, Auguste Herbin, Nelly Van Doesburg, Antoine Pevsner, la première édition du Salon des Réalités Nouvelles se tient à Paris du du 19 juillet au 18 août 1946. Elle réunit 84 artistes et célèbre la mémoire de Robert Delaunay, décédé en 1941.
Quant à l'expression "Réalités Nouvelles" si elle est bien née en 1912 sous la plume de Guillaume Apollinaire, elle affirme une filiation évidente avec l'exposition organisée par Frédo Sidès et conçue par Sonia et Robert Delaunay Galerie Charpentier en 1939 au 76 rue du Faubourg-Saint-Honoré.
Toujours actif, le Salon des Réalités Nouvelles n'a jamais cessé d'exister depuis son lancement...
 

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La Salon Grands et Jeunes d'aujourd'hui a été créé en 1959.

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Le Sanzisme naît en 1948 à Lyon sous l'initiative conjuguée de Jean Fusaro et Pierre Doye. Ce groupe d'artistes, rejetant non sans humour une longue liste de mouvements en isme, choisit de se nommer Sans "isme". Regroupés avec James Bansac, Paul Clair, André Cottavoz, Philibert-Charrin, Pierre Coquet, Françoise Juvin, André Laurent, Pierre Palué, Antoine Sanner, Jacques Truphémus, ils excluent toute appartenance ou filiation avec les mouvementsprécédents et le revendiquent pour la première fois lors de la VIIe biennale d'art contemporain de Lyon.

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En 1912, le Groupe de Puteaux, d'inspiration cubiste, s'installe au Salon d'Automne et y décore la Maison Cubiste. Le scandale est immédiat et Jacques Villon démissionne du comité d'organisation du Salon. 10 jours plus tard, le Groupe de Puteaux crée un nouveau salon : la Section d'or. Le nom de l'événement, inspiré des recherches de Léonard de Vinci entend ainsi donner une assise intellectuelle et théorique au Cubisme. Picasso avait donné le La avec les Demoiselles d'Avignon ; les artistes de la Section d'or en fixent les lignes. Le salon de la Section d'or trouve prend place dans la Galerie La Boétie en octobre 1912 pour présenter des oeuvres d'une trentaine d'artistes parmi lesquels Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, František Kupka, Francis Picabia, Jacques Villon... Les travaux de Marey y sont mis à l'honneur avec des toiles proches du Futurisme. 10000 cartons d'invitation sont envoyés. A cette occasion, Guillaume Apollinaire lit un texte qui divise le Cubisme en quatre tendances le Cubisme scientifique, le Cubisme physique, le Cubisme Orphique et, pour finir, le Cubisme Instinctif. Metzinger et Gleizes publient Du Cubisme. Ce premier Salon sera suivi de deux autres, en 1920 et 1925.

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Créé en 1947 par Lucio Fontana, le Spazialismo ou Spatialisme est un mouvement italo-argentin. Né d'un Livre Blanc publié en 1946 et rédigé avec des étudiants de l'Ecole libre d'Arts plastiques d'Altamira, on y trouve une référence claire et précise à la couleur, au son et au mouvement. Julio Le Parc, élève pourtant élève de Lucio Fontana, ne pose pas en signataire du Livre Blanc, pensant devoir appuyé un tel manifeste sur une production effective d'oeuvres d'art.

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L’Art urbain est une des formes d’art les plus anciennes qui puissent exister puisqu’on trouve déjà le graffiti à Lascaux. Pour autant, c’est aux Etats-Unis, dans les quartiers pauvres, qu’il fait sa ses premières apparitions, notamment avec Taki 183 en 1969. Ben Vautier, Ernest Pignon Ernest, les affichistes, Jacques Villeglé ou Mimmo Rotella font figure de précurseurs. Cette pratique artistique prend véritablement de l’ampleur dans les années 80 avec la naissance de la culture hip hop. Les fresques viennent alors couvrir les espaces urbains. Le mouvement s’exprime sous différentes formes : le pochoir, le graffiti, l’affiche, le sticker, la peinture murale.

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Le mouvement vient du Japon et puise son origine dans la culture japonaise et le manga. Il doit sa reconnaissance à Takashi Murakami, devenu chef de fil du mouvement.

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Mai 68. La France et le monde bougent ! L’art minimal, le Land Art et l’Arte Povera ont déjà fait leur apparition. Initiée par Claude Viallat avec le soutien du critique Jacques Lepage, l’exposition en plein air de Coroaze (Alpes Maritimes) donne en  juillet 1969 le coup d’envoi de ce qui va devenir le Groupe Supports-Surfaces. Un mouvement éphémère, forgé par la dialectique, et qui réunit des artistes opposés au Capitalisme. « L’objet de la peinture, c’est la peinture elle-même », affirme Viallat. Il s’ensuit un effacement de l’artiste et une déconstruction minutieuse et systématique du tableau. "Dezeuze peignait des châssis sans toile, moi je peignais des toiles sans châssis et Saytour l'image du châssis sur la toile". 

 

Miné par les dissensions politiques, le mouvement explose en 1971.

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The Group of Seven (Groupe des Sept) annonce la naissance de l’Art canadien et prend forme à Toronto entre 1911. Il regroupe Franklin Carmichael, Lawren Harris, A. Y. Jackson, Frank Johnston , Arthur Lismer, J. E. H. MacDonald, Frederick Varley. A cet ensemble s’ajoute Tom Thomson, disparu prématurément en 1917 et dont les oeuvres fortes marquent l’attrait pour un paysagisme canadien haut en couleur, marqué par des couleurs vives. Le Groupe s’éteint en 1931.

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La Villa Medicis est une enclave française en terre italienne. Créée en 1666 par Louis XIV, elle trouve asile en 1803 sur le Mont Pincio. C’est depuis lors, le lieu où elle accueille ses pensionnaires. Toute l’excellence artistique française y trouve sa place.

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cf. : Le Bateau-Lavoir.

Déçu par l'expérience de l'Abbaye de Créteil, Alexandre Mercereau lance la Villa Médicis Libre. Placée sous les bons auspices de la Fondation Georges Bonjean, la Villa Medicis Libre s'installe à Villepreux-les-Clayes et permet à Alexandre Mercereau de poursuivre l'utopie du phalanstérienne des bords de Marne. La Villa Medicis permet ainsi d'accueillir et de loger les artistes d'avant-garde à peu de frais.

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Rattachés à la Figuration Libre, les VLP l’affirment : Vive la Peinture (VLP) ! Imaginé initialement par Michel Espagnon, Jean Gabaret et Martial Jalabert, le trinôme s’est fait duo avec les années pour ne plus associer que Michel Espagnon et Jean Gabaret. Né de la mouvance Punk, les VLP investissent les palissades, les murs, parfois seuls ou avec Les Frères Ripoulin. Bref, ils occupent la rue, jusqu’à inventer le personnage récurrent de Zuman Kojito qui habite les murs et les palissades de la ville.

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Z

Le Zèbre est notre animal parce qu'il ne s'apprivoise pas expliquait Dietmar Ullrich. Né en Allemagne et plus précisément à Hambourg, le groupe Zebra prend son origine dans le Pop Art. Créé en 1965 autour de Dieter Asmus, Peter Nagel, Nikolaus Störtenbecker, il s'en éloigne cependant pour s'approcher d'un nouveau réalisme.

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A l'origine nommé Gruppe der Ungegenständlichen (, ce groupe d'artistes voit le jour en Allemagne le juillet 1949 et assure, après l'invitation de ses principaux membres au Salon des Réalités Nouvelles, la promotion de l'Art Abstrait en Allemagne. Le groupe Zen 49 continue d'exister jusqu'en 1957.
Avec le groupe Groupe 53 et le Groupe Qadriga, le Groupe Zen 49 participe au renouveau de l'Art abstrait en Allemagne : un point important dans la circulation de l'abstraction puisque François Morellet confiait dans une interview que c'est d'abord par l'Allemagne, soumise à la présence américaine, que sa renommée était née.

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